Fifteen years into their journey, Kadavar continues to evolve both sonically and philosophically. With their latest album “I Just Want To Be A Sound“, the Berlin-based trio pushes the boundaries of psychedelic rock, delivering a record that feels as introspective as it is explosive. We had the pleasure of catching up with Tiger, drummer and co-founder of the band, to talk about the meaning behind the album’s title, their approach to musical freedom, and what it means to stay creatively present in a world overflowing with noise.
[ENG] Hello Tiger and welcome on Heavyworlds.com. It’s a pleasure to have you here. How are the things going so far?
Yeah, pleasure to be here. Thanks for the opportunity. Things are going pretty well, I would say.
- Your new album “I Just Want To Be A Sound” feels like both a personal and philosophical manifesto. Can you tell me more about how this title encapsulates your 15 years journey as a band?
Yeah, you kind of said it already. We have formed this band as an attempt to find a music that fulfills us. And within these 15 years, we always try to ( push things a little further and always looking for new sounds and for things in the music that we like.This is our journey.
- Simon’s original statement, “I Just Want To Be A Sound”, has become a symbolic thread running through your evolution. How has its meaning deepened or changed for you over time?
You know, when he first said it, it was like a funny remark when I asked him why he wouldn’t use any social media. You know, Simon is a very profound and special character. Sometimes he says sentences like this, and actually, there is wisdom in it. And this thing somehow stuck for more than 10 years. And this idea of being sound, just being sound, was, I don’t know, a quote, a metaphor for some kind of longing that goes very well with searching for yourself, searching for merging with music. The life we live, we travel the world and we get in touch with people, we play music for us and for them. It’s all of that somehow.
- The band’s statement about the album is that it is described as a manifesto for freedom, transformation and radical presence. How do these themes manifest musically behind the lyrics?
I think musically, especially in this record, I think we kind of went out on a limb with all of the colors and moods that are featured on the record. It has a couple very, just very positive and maybe even euphoric songs, like the title track, “I Just Want To Be A Sound”, is very uplifting, very poppy. And I think we wanted to show that side of us, that this side also exists, along with the darkness and all the negativity that you see in basically all records before. And, you know, music is very good to transform negativity and make something good out of that. And the band was always about (this, but maybe this idea of also being present with more vulnerable elements within yourself, also allowing music to be positive. For us, that was a big experiment. We’re not used to being positive and bright with the music we’ve been writing in the past.
- And freedom is a big word in art and music. What does it really mean for the band in 2025, in your writing, recording and performing?
I think the way we live our lives, like a lot of people live our lives, you are very muchin your head and you analyze and you are very, very analytic, very reasonable all the time. And freedom for me in that regard, especially with playing music, is allowing yourself to stop analyzing for a moment and to stop reasoning for a moment, especially when you first meet an idea and that you just let it flow, kind of. And even if that sometimes means making a fool of yourself or not knowing if the others will resonate with things you do very spontaneously, I think that is freedom. If you let that happen, if you stop just repeating a certain formula or recipe and you are being present with what vibes with you in the moment, without trying to understand yourself.
- And you are known for working analog and with vintage gear. Has that changed for this record or have you introduced digital elements or modern techniques?
Yeah, I would say this was pretty much a hybrid monster, this record. So we’ve been working with a producer, Max Rieger from Germany. Who’s a great guy and who’s been helping us getting this album done. I cannot speak enough ood about him. That was a very nice process. So he came to our studio and we used all the gear that I also used on the records before. And the way this studio is designed, you can basically just bring your laptop, connect the laptop with one cable to the whole studio outboard and everything.So I was kind of his right hand, showing him all the stuff. And it was ultimately his decision how to use it and how to shape the sounds. So we were in our familiar element, using all the analog gear. And then we transformed it to his, we recorded everything in his laptop and then he magically put all the stuff together.
- And is there a single track on the album that you feel captures the emotional and sonic essence of the whole record?
That’s a good question, because the songs are all different to me and they connect to the concept of the record. The first thing that comes to my mind is the title track, because it has the quote and maybe that is the essence of the record. You know, the sound world, the world that opens up if you forget what you’ve been doing in the past, maybe. But apart from that, it’s difficult to point it down to one song. I don’t know. It’s a hard question to answer, honestly.
- I can imagine! Are there any songs that challenge you deeply, either emotionally or technically during the recording process?
Yeah, most of them. I Just “Want to Be a Sound” was a guitar riff and a drum beat that was there all the way. It was a big challenge to find words for the song. I don’t know how many lyrical attempts we had before we came up with it. One day I thought, this thing, this quote that Simon said 10 years ago, that’s it. That’s what the sound needs to be. But that was one and a half years in the process already. We’ve been banging our head against the wall because of that song for a long time. And I think another challenge was maybe because we’ve been working on that record for almost two years. So just naturally, there’s always the danger that you overthink stuff and you destroy your own idea if you always keep evolving. So a big challenge was reminding yourself that those first demos, there is always something very special in them. And you need to keep elements of that. And you need to remind yourself, whatever you want to make better about a song, don’t overthink everything, especially if you’re working on a record for such a long time. So what happened with a lot of songs, we just put them away for a couple of months. So we wouldn’t destroy them with too many ideas.
- So didn’t it happen that maybe a demo version changed really drastically into the final version?
Yeah, that did happen. As I said before, we worked with a producer and he gave us suggestions about the arrangements. And then that gave us a whole lot of new conclusions about where we were. But with most of the songs, there was the time where we listened to the first demo and realized, oh, there is something in there that is not there anymore. So we then went two steps back and kept more original things in the end.
- The album speaks also about presence. What does being radically present mean for you as a musician in a world obsessed with noise and distraction?
It’s really nice how you frame the question, because if you tune into the noise and to everything that is going on, it basically results in you not being creative anymore. For example, if I start my day by opening up my phone and scroll social media and then do my emails and then maybe get a call from my manager and go down a to-do list, I’m not going to be creative anymore. So being present, it’s kind of paradox, but being present with your band members and the work that you are doing and with the things that are going on in your mind, you need to protect that space. You need to protect your energy and ( kind of know if this is a business day or a music day. And I think being present means focusing on your relationships and the things that you want to achieve with your music and not being distracted with that too much. So then you can really lean into that.
- How do you imagine these new songs will transform on stage? Will the live version evolve further away from the studio recordings?
Yes, they will, of course. So I think live music, especially for Kadava, is a very physical act. And I think our songs reach the audience better if we use the power of a PA system. And if you perform with 120 percent, I think that you get the audience closer to your music than with a record.I think there are more possibilities. And then also this record is kind of very focused. There is not so many long parts on it. And as we started rehearsing, it became clear that there is a lot of parts that we made kind of short that we want to play longer now.
- And you have played with legends like Ozzy and the Scorpions. How do this experience shape your perspective on longevity and legacy in rock music?
I mean, if I look at Ozzy, for example, and see that he’s still playing shows, I imagine that even for him, with Parkinson’s disease that he has hand everything, that it still gives him something. And I think it’s kind of crazy. But if you look at that, I believe yeah, you’re as old as you think, or as Lemmy put it once, when you think you’re too old, then you’re too old. But honestly, I’m 40 now. I don’t know if, like from today’s perspective, I don’t know if I want to be performing when I’m 70. It’s just too far away. But it gives me hope that people still do it and fans still enjoy it. So I think it’s an option. But from today, I really don’t know. Like, will I be able to play drums at 70? Who knows?
- And with your international touring experience, do audiences react differently to your music in different countries?
Yeah, I think that’s kind of the case. Like, for example, I always tell this story, like we’ve been playing shows in Norway, and the people were reserved, because that’s the way they are very polite, very friendly.We come on stage, and we think like, why is everyone so still? Do they hate us? Are we doing a bad job? What’s going on? And we played the show with kind of a weird feeling. And then after the show, people start coming up, like we’re at the merch table, chatting with people, and those people are like, oh my god, you’ve done such an amazing job. That was such a cool show. I’m amazed, blah, blah, blah, blah. Yeah, I didn’t see it when it was happening. But good, you tell me. And then I don’t know. We’ve been to South America twice, to Mexico a lot of times. And then they act different, like they move and they scream. Feel the show with their whole body, they dance, they sing along. Of course, then no one has to tell me that they enjoyed it. Yeah, it’s very visible. these are maybe like the two extremes that you can experience
- Are there any places you’ve never played before that are still on your wishlist?
We’ve never played in Antarctica (laughs ndr) But I don’t know how complicated that is.
- So have you also been to Asia, Africa or Australia?
Yeah, we’ve been to Australia. We haven’t been to New Zealand. That’s definitely on my wish list. We have been to Japan. But everything that is between Moscow and Tokyo, that part of Asia, I’ve never been and we haven’t been with a band. And also, we’ve never been like, like deep inside of Africa. We have played a show in Morocco, which is really cool. But to know, we haven’t been to any other African countries, that would be also something I definitely like to do.
- And so you have been together for over 15 years. How do you keep the chemistry alive, not just as musicians, but as people sharing a life on the road?
How do we do that? I think we realized pretty early, you know, I guess, I guess most of the bands that I know that have kind of had like at least some kind of success, like there is this phase in the beginning where you celebrate it every night and you party a lot. And we’ve done that for a couple of years. But I think we realized early enough that it’s also important, you know, to protect your boundaries and to, you know, exist as a group. So everything that’s beneficial to the group, you can do like in your personal space of freedom. But if, you know, if things start to happen that affect each other negatively, you can keep doing that for a long time, like phases like that. They were there, ( but they were short enough. And we always managed to address that. And I think more or less after 10 years, I realized it for the first time that you’ve we’ve come a long way and we it’s good that we did it like that. Like it’s very important to maintain a good relationship within the group. Otherwise, it’s just pain.
- What is one lesson each of you has learned from the other members that has changed how you see life, not just music?
I think from our singer, from Lupus, I have learned like he’s more direct than me. Like I’m very used to go for harmony most of the time. And like my relationship with him, (I learned a lot about that being direct is not automatically a negative thing. And one thing from Simon, I learned like is, I don’t know, he takes, he takes kind of every day as a new day. And he’s, he’s very at peace with like not being, not stressing over things. He’s very good at that. And like this, this thing, I like when I met him, I realized that there’s a lot of calm in him. And I like I took that energy from him.
- So that was our last question. Thank you for your time. Is there anything you would like to say to your fans or Heavyworlds readers?
Maybe I just want to say in these times that we are in right now, try to be nice to each other, be nice to your friends, be nice to your neighbours. You get it back one day. And even if it’s hard sometimes, and you know, there’s a lot of political shit going on that is very disturbing. If we start with ourselves and with our next ones, there is hope that this energy grows and this is maybe what we can focus on right now.
[ITA]
- Ciao Tiger e benvenuto su Heavyworlds.com. È un piacere averti qui. Come stanno andando le cose finora?
Sì, è un piacere essere qui. Grazie per l’opportunità. Direi che le cose stanno andando abbastanza bene.
- Il vostro nuovo album “I Just Want To Be A Sound” sembra sia un manifesto personale che filosofico. Puoi dirmi di più su come questo titolo riassuma i vostri 15 anni di percorso come band?
Sì, in un certo senso l’hai già detto tu. Abbiamo formato questa band nel tentativo di trovare una musica che ci appagasse. E in questi 15 anni abbiamo sempre cercato di spingere un po’ più in là, sempre alla ricerca di nuovi suoni e di cose nella musica che ci piacciono. Questo è il nostro viaggio.
- L’affermazione originale di Simon, “I Just Want To Be A Sound”, è diventata un filo conduttore simbolico della vostra evoluzione. Come si è approfondito o modificato il suo significato per voi nel tempo?
Sai, quando l’ha detto per la prima volta, era quasi una battuta. Gli avevo chiesto perché non usasse i social media. Simon è un personaggio molto profondo e particolare. A volte dice frasi del genere e in realtà c’è della saggezza in esse. Questa frase ci è rimasta impressa per più di dieci anni. E questa idea di essere suono, solo essere suono, è diventata una specie di citazione, una metafora di un certo tipo di desiderio, che si collega bene con la ricerca di sé, con il fondersi con la musica. La vita che viviamo, viaggiamo per il mondo, entriamo in contatto con persone, suoniamo per noi e per loro, è tutto questo, in un certo senso.
- Avete detto che l’album è un manifesto di libertà, trasformazione e presenza radicale. Come si riflettono musicalmente questi temi, oltre i testi?
Penso che musicalmente, specialmente in questo disco, ci siamo un po’ lanciati nel vuoto con tutti i colori e le atmosfere presenti. Ci sono alcuni brani molto positivi, addirittura euforici, come la traccia che dà il titolo all’album, “I Just Want To Be A Sound”, che è molto solare, quasi pop. E volevamo mostrare anche quel lato di noi, che esiste accanto all’oscurità e alla negatività che si trovano praticamente in tutti i nostri dischi precedenti. La musica è un mezzo potentissimo per trasformare la negatività in qualcosa di positivo. E forse questo disco è anche un esperimento per noi, perché non siamo abituati a scrivere musica così luminosa. Ma ci abbiamo provato.
- E “libertà” è una parola importante nell’arte e nella musica. Cosa significa per voi nel 2025, nel modo in cui scrivete, registrate e suonate?
Credo che nel modo in cui viviamo oggi, come molte persone, siamo troppo nella testa: analizziamo tutto, siamo sempre razionali. E la libertà, per me, nel fare musica, è proprio permettersi di smettere di analizzare e di ragionare, almeno per un momento. Quando ti arriva un’idea, lasciarla semplicemente fluire. Anche se questo significa fare la figura dello scemo o non sapere se gli altri capiranno ciò che fai. Credo che quella sia la vera libertà: smettere di ripetere formule preconfezionate e restare presenti con ciò che vibra in te, nel momento, senza doverti capire per forza.
- Siete noti per usare strumenti analogici e vintage. È cambiato qualcosa con questo disco? Avete introdotto elementi digitali o tecniche moderne?
Sì, direi che questo disco è stato un mostro ibrido. Abbiamo lavorato con un produttore, Max Rieger dalla Germania, un grande tipo che ci ha aiutato molto a completare l’album. È stato un bel processo. È venuto nel nostro studio, abbiamo usato tutta la strumentazione analogica che usiamo da sempre. Lo studio è fatto in modo che puoi collegare un laptop con un solo cavo e usare tutto l’outboard. Io ero il suo braccio destro, gli mostravo tutto, ma alla fine era lui a decidere come usarlo e come modellare il suono. Abbiamo usato il nostro ambiente familiare ma trasformato tutto in digitale nel suo laptop. E lui ha messo insieme tutto in modo magico.
- C’è una canzone che pensi rappresenti l’essenza emotiva e sonora del disco?
Bella domanda. Le canzoni sono tutte diverse per me, ma forse quella che mi viene in mente per prima è proprio la title track. Contiene la citazione, forse racchiude l’essenza del disco: un mondo sonoro che si apre se dimentichi tutto ciò che hai fatto prima. Però, a parte quella, è difficile sceglierne una sola. Davvero.
- Immagino! Ci sono brani che vi hanno messo particolarmente alla prova, emotivamente o tecnicamente, durante la registrazione?
Sì, quasi tutti. “I Just Want To Be A Sound” era nata come riff di chitarra e ritmo di batteria, ma trovare le parole giuste è stato durissimo. Abbiamo fatto tantissimi tentativi prima di arrivare al testo definitivo. Poi un giorno mi è tornata in mente quella frase di Simon di dieci anni fa e ho pensato: “Ecco, è questa”. Ma ci abbiamo messo un anno e mezzo per arrivarci. E un’altra difficoltà è stata che, lavorando sul disco per quasi due anni, c’è il rischio di rovinare tutto continuando a modificare. Quindi una grande sfida è stata ricordarci che nei primi demo c’è sempre qualcosa di speciale, da non perdere. Alcune canzoni le abbiamo messe da parte per mesi, per non rovinarle con troppe idee.
- Quindi è successo che una demo sia cambiata radicalmente nella versione finale?
Sì, è successo. Con il produttore abbiamo rivisto alcuni arrangiamenti e questo ci ha dato nuove prospettive. Ma in molti casi, ascoltando i primi demo, ci siamo resi conto che mancava qualcosa che c’era all’inizio. Quindi siamo tornati indietro di due passi e abbiamo reinserito elementi originali.
- L’album parla anche di “presenza”. Cosa significa per te essere radicalmente presente come musicista in un mondo pieno di rumore e distrazioni?
È bello come hai posto la domanda. Se ti sintonizzi sul rumore e su tutto ciò che ti circonda, smetti di essere creativo. Se inizio la giornata controllando il telefono, i social, le email, parlando col manager, ecco, la creatività è già morta. Essere presenti, in modo paradossale, vuol dire proteggere quello spazio. Sapere se oggi è una giornata da dedicare al business o alla musica. Essere presenti vuol dire anche concentrarsi sui rapporti, sugli obiettivi che hai con la musica, senza farti distrarre troppo. Solo così puoi davvero immergerti.
- Come immagini che questi nuovi brani si trasformeranno dal vivo? Cambieranno rispetto alla versione in studio?
Sì, certo. Per Kadavar la musica dal vivo è un atto fisico. I nostri brani funzionano meglio quando li spingiamo al massimo, usando tutta la potenza del sistema audio. E questo disco è molto compatto, con pochi momenti estesi. Ma già dalle prove abbiamo capito che vogliamo allungare alcune parti dal vivo.
- Avete suonato con leggende come Ozzy e gli Scorpions. Come queste esperienze hanno influenzato la vostra visione della longevità nel rock?
Se guardo Ozzy, che suona ancora nonostante il Parkinson, penso che anche per lui la musica abbia ancora un significato profondo. Come diceva Lemmy: “Quando pensi di essere troppo vecchio, allora lo sei.” Io ho 40 anni adesso, e sinceramente non so se vorrò suonare a 70. È troppo lontano. Ma sapere che altri lo fanno mi dà speranza. È un’opzione, ma non lo so ancora. Chi può dire se riuscirò ancora a suonare la batteria a quell’età?
– Con la vostra esperienza nei tour internazionali, il pubblico reagisce diversamente in base al paese?
Sì, succede. Racconto sempre che in Norvegia abbiamo suonato davanti a un pubblico molto composto. Ci chiedevamo: “Ma gli stiamo facendo schifo?” Poi dopo lo show, tutti vengono al banchetto del merch a dirci che è stato incredibile. Invece in Sud America o in Messico la gente si muove, urla, canta con tutto il corpo. Lì non servono spiegazioni: si vede subito che si stanno divertendo. Sono due estremi opposti.
- Ci sono posti dove non avete mai suonato e che sono nella vostra wishlist?
Antartide! (ride) Ma non so quanto sia complicato. Siamo stati in Australia, non ancora in Nuova Zelanda, che è nella lista. Siamo stati in Giappone, ma mai nelle zone tra Mosca e Tokyo. Né nell’Africa più profonda. Abbiamo fatto un concerto in Marocco, molto bello, ma mi piacerebbe andare anche in altri paesi africani.
- Siete insieme da oltre 15 anni. Come mantenete viva la chimica, non solo come musicisti, ma come persone in viaggio insieme?
Penso che ci siamo resi conto presto che, come accade a molte band, c’è una fase iniziale di festeggiamenti e feste ogni sera. Anche noi l’abbiamo vissuta. Ma ci siamo accorti in tempo che è importante proteggere i propri confini, e fare in modo che tutto quello che fai non danneggi gli altri nel gruppo. Abbiamo avuto momenti difficili, ma sono stati brevi. E li abbiamo sempre affrontati. Dopo 10 anni mi sono reso conto che è stato giusto così. È fondamentale mantenere buoni rapporti nel gruppo. Altrimenti diventa una sofferenza.
- Qual è una lezione che ciascuno di voi ha imparato dagli altri membri e che ha cambiato il vostro modo di vedere la vita, non solo la musica?
Dal nostro cantante Lupus ho imparato che essere diretti non è per forza una cosa negativa. Io tendo sempre ad armonizzare. Lui è più diretto e questo mi ha insegnato molto.
Da Simon ho imparato a prendere ogni giorno come viene. È una persona molto in pace con sé stessa, non si stressa. Quando l’ho conosciuto ho sentito questa calma, ed è una cosa che ho fatto mia.
- Questa era l’ultima domanda. Grazie per il tuo tempo! C’è qualcosa che vuoi dire ai tuoi fan o ai lettori di Heavyworlds?
Forse solo questo: in questi tempi difficili, cercate di essere gentili gli uni con gli altri. Con gli amici, i vicini. Questo torna indietro, prima o poi. Anche se non è facile, anche se là fuori c’è tanta merda politica, possiamo iniziare da noi stessi e dalle persone vicine. Forse è lì che può nascere qualcosa di buono.