After the success of “Beyond”, Moonlight Haze return with their new release “Interstellar Madness”, a journey through space, introspection and dreamlike melodies. We talked with Chiara Tricarico about creativity, inspirations born during sleepless nights, the meaning behind the lyrics and the emotions hidden within their music.
[ENG] Hi Chiara, welcome back to Heavyworlds! How are you and how are things going?
Hi Pinka! Thank you, I’m doing well. It’s a very intense period with the release of “Interstellar Madness” (the interview was conducted in June, editor’s note), which has just come out and with lots of live shows. It’s a very positive moment.
- Great. First of all, why is this latest release an EP and not a full-length album? Is there something that, in your opinion, an EP allows you to do that an album doesn’t? Why did you feel this was the right format?
Well, actually, that’s a question we’ve been asked a lot, of course, ever since we announced “Interstellar Madness“. But the truth is that there wasn’t any plan behind it. Giulio had simply written these six songs, and we thought they worked really well together as a single release.
We didn’t think we needed to add anything else, and we don’t think anything is missing. Actually, we don’t even see it as an EP: we almost see it as a very short album. Because I think it contains some of the best songs we’ve ever written. So yes, sometimes… I mean, it’s not that the definition of EP is necessarily limiting, but it can make people think of a release with acoustic versions, bonus tracks or leftover material. Instead, we wrote these songs specifically for this release. They aren’t songs left over from other albums or anything like that. They were born this way. We wanted to release them, we had a collection of six songs and, above all, we couldn’t wait to let people hear them.
So we said “Last year “Beyond” came out, let’s release another record one year later. We absolutely have to let people hear these songs“. So it was really a very spontaneous decision. There wasn’t any particular reasoning or strategy behind this choice.
- What was the very first image that came to your mind when you started working on “Interstellar Madness”?
We’re always talking about those usual late nights spent exchanging ideas with Giulio. So, to tell you the truth, I’d say images of space. I think those were really what guided us. Giulio and I share a lot of interests in that sense: space, existential questions… you know, the classic topics of late-night conversations.
- Typical topics for the early hours of the morning…
Exactly. Those are the things that only come to your mind at four in the morning, because if they come to your mind at nine in the morning, after a coffee, you just say “Well, I’ve got other things to do now“.
- Throughout the record, space sometimes seems almost like a state of mind rather than a physical place. Where do you feel your mind goes when you step away from everyday reality?
Yes, it’s absolutely a mental place. Saying where I feel I go is probably too difficult a question. There’s always this desire to explore, to go beyond and to see what’s further ahead. What’s the next discovery? What’s the next galaxy? There are so many metaphors connected to space, the universe and science that actually represent a journey of inner discovery.
- Speaking of the songs, I’d like to focus on “Moonlight Legion”. The song often talks about lost people, broken hearts and souls searching for something. Do you think it’s harder today to find your place in the world than it was a few years ago?
Let’s say it’s difficult to answer because none of us really knows what it was like to live in another era. Everyone lives in the present, in the historical period they happen to be born into. That’s why it’s complicated to say whether it was really easier or harder in the past. What I’m convinced of is that people who ask themselves lots of questions often have a more complicated life than those who, rightly or wrongly, tend to ask themselves fewer questions and not dig so deeply. After all, one question comes from a doubt, and one doubt generates more questions.
“Moonlight Legion“ was born as an anthem and a dedication not only to the people who follow us, but also to ourselves as a band, together with all the people who are with us: the ones standing in front of the stage, but also those working behind the scenes. Over the years we’ve always kept the same line-up and the people who work with us have also remained the same. We truly feel they’re part of a team that works. The same goes for the people who have followed us since the very beginning. I always say that I know very well the role music has played in my life. I know how important certain songs have been for my growth, not only as an artist but also as a person. That’s why being able to take our music around and meet people who tell us what our songs mean to them is what repays all the effort. Knowing that a lyric or a song has somehow accompanied someone, guided them or, in some cases, even helped them get through a difficult moment is the most beautiful thing an artist can hear. Whenever you write something, you always do it with the intention of communicating a message, whether it’s directed at yourself or at others.
I’ve always seen music as a higher language: a language that allows you to express things that you could never say with words alone. So knowing that certain concepts are understood so deeply is what gives us the lifeblood to keep doing what we do. So knowing that certain concepts are understood so deeply is what gives us the lifeblood to keep doing what we do.
- If the Moonlight Legion really existed, what would be the first rule for becoming part of it?
That’s a great question. Well, I’d say the first rule would be not to be afraid of exploring the unknown.
- Very philosophical. Moving on to “Lost in Moonlit Symphonies”: here it seems like the journey goes from initial fear to curiosity. Is it an imaginary journey, or something you’ve actually experienced?
Actually, it’s something absolutely real. The lyrics refer to all those experiences where you start from any kind of suggestion, and from there new portals open up in your mind. The inspiration came from a very specific image. When I wrote the lyrics, it was as if I were on a spaceship with Giulio, looking outside… through the window. Do you call it a window on a spaceship too?
- I have no idea…
Neither do I! Anyway, let’s call it a window. It’s as if I had opened a window onto everything that, going back to what we were talking about a couple of questions ago, goes through our minds during the night.
- You went from going to the supermarket and seeing spring bloom to writing lyrics while looking out of the window of a spaceship!
Exactly!
- In fact, your sleepless creativity also comes across in the line “Hard to fall asleep so let the quest begin.”
Yeah, absolutely. In the end you have two choices: either you keep tossing and turning in bed for hours, or you make the most of that moment. Although sometimes it can be even more dangerous to start writing!
- Since your creativity often comes to life at night, do you feel that music is closer to dreams or to reality?
I have to say that sometimes the line is really very blurred. When you live music so intensely, it’s difficult to draw a clear line between real life and creative life. The two constantly end up influencing each other. After all, that’s also one of the concepts behind “Interstellar Madness“. The “madness” in the title isn’t madness in the clinical sense of the word, but rather a way of perceiving existence and art with extreme intensity. Actually, I almost see the title of this release as a paraphrase of the band’s own name. “Moonlight Haze” also comes from the meeting of elements connected to space and a sort of mental haze.
In the band’s name it’s the moonlight that creates this suspended atmosphere… Interstellar Madness represents the same idea, but amplified, even more intense… Wait, what was the original question?
- I was thinking the same thing: “Let’s hope she gets back to the question in the end!” (laughs)
Exactly! Anyway, getting back to the point: in my opinion, there isn’t…
- Speaking of “We Are The Fire”: the transformation from “pale and hidden” to “unstoppable” almost seems like a collective rebirth. Is it a metaphor for the band’s growth, or something more personal?
Actually, when I wrote those lyrics, I was thinking about how important it is to surround yourself with people who understand you and who share, at least partly, your vision of the world. It can refer to any kind of relationship: a friendship, a romantic relationship, a group of friends. I wasn’t thinking about a specific situation. I was simply reflecting on how essential it is to find people with whom you feel in tune and, at the same time, also manage to rediscover yourself.
- Speaking of “Shine”, the song tells the story of a voice that is born from a hidden place. Do you think every artist has some sort of secret room where their true identity is really born?
It could be. I don’t know every artist in the world, of course, but one thing I often notice, also when talking with other musicians, is that there is always a phase of gathering oneself. There is almost always a moment of isolation, more or less long, from which sharing is then born. In our case, that’s how it happens: first we live certain experiences, then we transform them into music and finally we share them with others. We express them by transforming a thought into a form of art.
- Has there ever been a moment in your life when you truly felt “Shine”, even outside of music?
I would say every time I managed to overcome one of my own limits, even a small one. For example, finally managing to say something that I had kept inside for years. For me, that’s a “Shine” moment.
- The Shine moment! From now on we’ll call it that!
(they laugh)
- Speaking of Interstellar Madness, first of all, congratulations on the video…
Thank you!
- I really loved it. I imagine it was taken care of down to the smallest detail, almost obsessively. What can you tell us about it?
Yes, let’s say that the video for “Interstellar Madness” was truly a gift we wanted to give to the song. We are really convinced that it is perhaps the most beautiful song we have written so far, or at least one of the most beautiful.
We believed in this song so much that we chose it as the title track of the new release, which came out less than a year after the previous one. We had a very precise vision of what we wanted to create. We also ignored some of the more commercial logic. Releasing a six-and-a-half-minute single is not exactly the easiest choice, and the same goes for creating the video.
For every minute of video there are hours and hours of filming and work, so from a technical point of view it was truly demanding. On this matter, I would like to mention Marco Falanga, our guitarist, and Beatrice Demori from Allround Media, who did an enormous job to make all of this possible.
Then there is another small detail connected to the location. Right in front of that theatre, in the square where the opening scenes take place, the ones where the protagonist finds the ticket and enters to watch the opera “Interstellar Madness“, there is a place that is very special to us.
I almost get chills saying this, but it was the first place where the band came together. It was the meeting point the very first time the five of us met, coming from our respective cities. From there, in a certain sense, everything began.
- Speaking of Chiara Tricarico and the thousand things she does: you have a summer tour with Avantasia and you also announced that, between October and November, you will sing with Exit Eden in place of Marina. How do you manage to move between all these different narrative worlds? I imagine that, mentally, you also have to prepare differently before stepping on stage, besides all the vocal work and rehearsals.
Well, from the more practical point of view, it’s simply a matter of organisation. I’m not someone who is afraid of working hard. After all, the job I chose is something I’m extremely passionate about. Actually, sometimes the problem is almost the opposite: when you do something you love so much, even if it is a job, you realise you’re tired too late. You are so immersed in what you’re doing that you keep going, then at some point you stop and think “Wait… maybe I overdid it a little“.
Apart from that, which is probably a characteristic of my personality, I’m not someone who gives up easily. I like to finish what I start, and I keep moving forward with determination when I believe in something. So yes, it really takes a lot of organisation to make all these projects coexist. From a mental point of view, however, I have also been very lucky. Joining Avantasia was special because it is a reality that I deeply love, so immersing myself in that world comes almost naturally. They are wonderful songs, and that makes everything easier.
In general, though, every time I study a new song, and I have also had the chance to work with very different realities from each other, the most important thing for me is to truly enter the song and find my own interpretative key. If I didn’t write that song myself, I cannot know exactly what the person who composed it had in mind. However, in order to interpret it authentically, I need to find something that resonates with me. Maybe it is not explicitly written in the lyrics, but it is an image, an emotion or a meaning that works for me and helps me express something sincere through that song. That’s what makes the interpretation authentic.
- This was the last question so I’ll leave you some space to close the interview.
First of all, thank you, Pinka, for the interview. Your questions are always very thoughtful, interesting and deep. I would like to send my greetings to all the Heavyworlds readers. See you around!
[ITA] Ciao Chiara, ben ritrovata qui su Heavyworlds! Come stai e come vanno le cose?
Ciao Pinka! Grazie, tutto bene. È un periodo molto intenso con l’uscita di “Interstellar Madness” (intervista fatta a giugno ndr) , che è appena uscito, e con tanti concerti. È un momento molto positivo.
- Ottimo. Innanzitutto, perché questa ultima uscita è un EP e non un album? C’è qualcosa che, secondo voi, un EP permette di fare e che un album invece non permette? Perché avete sentito che questa fosse la forma giusta?
No, guarda, in realtà è una domanda che ci hanno fatto spesso, ovviamente da quando abbiamo annunciato l’uscita di “Interstellar Madness“. Ma la verità è che non c’era niente di pianificato. Semplicemente Giulio aveva scritto questi sei pezzi e noi li vedevamo molto bene insieme come un’unica uscita discografica.
Non pensavamo di dover aggiungere nient’altro e non pensiamo che manchi qualcosa. In realtà, noi non lo vediamo neanche come un EP: lo vediamo quasi come un album molto corto. Perché penso che ci siano alcuni dei pezzi più belli che abbiamo mai scritto. Quindi sì, a volte… Oddio, non che la definizione di EP sia necessariamente riduttiva, però può far pensare a un lavoro con versioni acustiche, bonus track o materiale recuperato. Invece noi abbiamo scritto questi brani appositamente. Non sono pezzi scartati da altri album o cose del genere. Sono canzoni che sono nate così. Volevamo pubblicarle, avevamo un insieme di sei canzoni e, soprattutto, non vedevamo l’ora di farle uscire.
Così abbiamo detto “L’anno scorso è uscito “Beyond”, facciamo uscire un altro lavoro a distanza di un anno. Dobbiamo assolutamente far ascoltare queste canzoni“. Quindi è stata davvero una decisione molto spontanea. Non c’erano logiche particolari o strategie dietro questa scelta.
- Qual è stata la prima immagine che avete avuto in mente quando avete iniziato a lavorare su “Interstellar Madness”?
Parliamo sempre delle solite nottate passate a scambiarci idee con Giulio. Quindi, se devo dirti la verità, direi immagini dello spazio. Penso che siano state proprio quelle a guidarci. Giulio e io condividiamo molti interessi in questo senso: lo spazio, le domande esistenziali… insomma, i classici argomenti da conversazioni notturne.
- Argomenti tipici delle ore piccole…
Esatto. Sono quelle cose che ti vengono in mente solo alle quattro del mattino perché se ti vengono alle nove del mattino, dopo il caffè, dici semplicemente “Vabbè, adesso ho altro da fare“.
- Nel disco, a volte, lo spazio sembra quasi un luogo mentale più che fisico. Tu dove senti di andare con la mente quando ti allontani dalla realtà quotidiana?
Sì, è assolutamente un luogo mentale. Dire dove sento di andare è una domanda forse troppo difficile. Sicuramente c’è sempre una volontà di esplorare, di andare oltre e di vedere che cosa ci sia più avanti. Qual è la prossima scoperta? Qual è la prossima galassia? Ci sono tantissime metafore legate allo spazio, all’universo e alla scienza che, in realtà, rappresentano un percorso di scoperta interiore.
- Parlando delle tracce, vorrei soffermarmi su “Moonlight Legion”. La canzone parla spesso di persone smarrite, cuori spezzati e anime in cerca di qualcosa. Pensi che oggi sia più difficile trovare il proprio posto nel mondo rispetto a qualche anno fa?
Diciamo che è difficile rispondere, perché nessuno di noi sa davvero come fosse vivere in un’altra epoca. Ognuno vive il presente, vive nel periodo storico in cui si trova, quasi per caso. Per questo è complicato dire se fosse davvero più facile o più difficile in passato. Quello di cui sono convinta è che le persone che si fanno tante domande spesso abbiano una vita più complicata rispetto a chi, giustamente o meno, tende a farsene di meno e a non scavare così a fondo. In fondo una domanda nasce da un dubbio e un dubbio genera altre domande.
“Moonlight Legion” è nata come un inno e una dedica non solo alle persone che ci seguono, ma anche a noi stessi come band, insieme a tutte le persone che ci accompagnano: chi è sotto il palco, ma anche chi lavora dietro le quinte. Negli anni abbiamo mantenuto sempre la stessa line-up e anche le persone che collaborano con noi sono rimaste le stesse. Le sentiamo davvero parte di una squadra che funziona. Lo stesso vale per chi ci segue fin dagli inizi. Io dico sempre che conosco bene il ruolo che la musica ha avuto nella mia vita. So quanto alcune canzoni siano state importanti per la mia crescita, non solo artistica, ma anche personale. Per questo, poter portare la nostra musica in giro e confrontarci con persone che ci raccontano cosa rappresentano per loro le nostre canzoni è ciò che ripaga di tutti gli sforzi. Sapere che un testo o una canzone, in qualche modo, ha accompagnato qualcuno, lo ha guidato o, in certi casi, lo ha persino aiutato a superare un momento difficile, è la cosa più bella che un artista possa sentirsi dire. Quando scrivi qualcosa, lo fai sempre con l’intenzione di comunicare un messaggio, che sia rivolto a te stesso oppure agli altri.
Io ho sempre visto la musica come un linguaggio superiore: una lingua che ti permette di esprimere cose che, con le sole parole, non riusciresti mai a dire. Quindi sapere che certi concetti vengono recepiti in modo così profondo è ciò che ci dà la linfa vitale per continuare a fare quello che facciamo.
- Se la Moonlight Legion esistesse davvero, quale sarebbe la prima regola per entrarne a far parte?
Bella domanda. Beh, direi che la prima regola sarebbe non avere paura di esplorare l’ignoto.
- Molto filosofica. Passando invece a “Lost in Moonlit Symphonies”: qui sembra che si passi dalla paura iniziale alla curiosità. È un percorso immaginario o qualcosa che avete vissuto davvero?
In realtà è qualcosa di assolutamente concreto. Il testo si riferisce a tutte quelle esperienze in cui si parte da una suggestione qualsiasi e, da lì, si aprono nuovi portali nella mente. L’ispirazione è nata da un’immagine molto precisa. Quando ho scritto il testo era come se fossi su una navicella spaziale insieme a Giulio e guardassimo fuori… dal finestrino. Si dice finestrino anche di una navicella?
- Non ne ho idea…
Nemmeno io! Comunque, chiamiamolo finestrino. È come se avessi aperto una finestra su tutto quello che, tornando al discorso di un paio di domande fa, ci passa per la testa durante le ore notturne.
- Sei passata dall’andare al supermercato e vedere la primavera sbocciare a scrivere testi guardando fuori dal finestrino di una navicella spaziale!
Esatto!
- Infatti la tua creatività insonne si percepisce anche da una frase del brano “Hard to fall asleep so let the quest begin”.
Eh sì, per forza. Alla fine hai due possibilità: o continui a rigirarti nel letto per ore, oppure sfrutti quel momento. Anche se, a volte, può essere persino più pericoloso mettersi a scrivere!
- Visto che la tua creatività nasce spesso di notte, senti che la musica sia più vicina al sogno o alla realtà?
Devo dire che, a volte, il confine è davvero molto sfumato. Quando vivi la musica in modo così intenso, è difficile tracciare una linea netta tra la vita concreta e quella creativa. Le due cose finiscono continuamente per influenzarsi a vicenda. In fondo è anche uno dei concetti alla base di “Interstellar Madness“. La “follia” del titolo non è una follia nel senso clinico del termine, ma rappresenta un modo di percepire l’esistenza e l’arte con un’intensità estrema. Anzi, vedo quasi il titolo di questo lavoro come una parafrasi del nome stesso della band. Anche “Moonlight Haze“ nasce dall’incontro tra elementi legati allo spazio e una sorta di annebbiamento mentale.
Nel nome della band è la luce della luna a creare questa atmosfera sospesa… “Interstellar Madness” rappresenta la stessa idea, ma amplificata, ancora più intensa…Aspetta, qual era la domanda iniziale?
- Anch’io stavo pensando “Speriamo che alla fine torni alla domanda!” (ride)
Esatto! Comunque, tornando al punto: secondo me non esiste un vero confine tra sogno e realtà, almeno non in questo lavoro.
- Parlando invece di “We Are The Fire”: la trasformazione da “pale and hidden” a “unstoppable” sembra quasi una rinascita collettiva. È una metafora della crescita della band oppure qualcosa di più personale?
In realtà, quando ho scritto quel testo, pensavo a quanto sia importante circondarsi di persone che ti capiscano e che condividano almeno in parte la tua visione del mondo. Può riferirsi a qualsiasi tipo di rapporto: un’amicizia, una relazione, un gruppo di amici. Non stavo pensando a una situazione specifica. Riflettevo semplicemente su quanto sia fondamentale trovare persone con cui sentirsi in sintonia e, allo stesso tempo, riuscire anche a ritrovare se stessi.
- Parlando invece di “Shine”, il brano racconta di una voce che nasce da un luogo nascosto. Secondo te ogni artista ha una sorta di stanza segreta da cui nasce davvero la propria identità?
Può essere. Non conosco tutti gli artisti del mondo, però una cosa che noto spesso, parlando anche con altri musicisti, è che esiste sempre una fase di raccoglimento. C’è quasi sempre un momento di isolamento, più o meno lungo, da cui poi nasce la condivisione. Nel nostro caso succede così: prima viviamo certe esperienze, poi le trasformiamo in musica e infine le condividiamo con gli altri. Le esterniamo trasformando un pensiero in forma d’arte.
- C’è stato un momento della tua vita in cui ti sei sentita davvero “Shine”, anche al di fuori della musica?
Direi tutte quelle volte in cui sono riuscita a superare un mio limite, anche piccolo. Per esempio, riuscire finalmente a dire qualcosa che mi tenevo dentro da anni. Per me quello è un momento “Shine“.
- Il momento Shine! Da oggi in poi lo chiameremo così!
(ridono)
- Su Interstellar Madness, innanzitutto, complimenti per il video…
Grazie!
- Mi è piaciuto davvero tanto. Immagino che sia stato curato nei minimi dettagli, quasi in maniera maniacale. Cosa ci racconti a riguardo?
Sì, diciamo che il video di “Interstellar Madness” è stato proprio un regalo che abbiamo voluto fare alla canzone. Noi siamo davvero convinti che sia forse il brano più bello che abbiamo scritto fino a oggi, o comunque uno dei più belli.
Credevamo tantissimo in questa canzone, tanto da sceglierla come title track del nuovo lavoro, uscito a meno di un anno dal precedente. Avevamo una visione molto precisa di quello che volevamo realizzare. Ci siamo anche un po’ fregati delle logiche più commerciali. Proporre un singolo di sei minuti e mezzo non è esattamente la scelta più semplice, e lo stesso vale per la realizzazione del video.
Per ogni minuto di video ci sono ore e ore di riprese e di lavoro, quindi dal punto di vista tecnico è stato davvero impegnativo. A questo proposito vorrei citare Marco Falanga, il nostro chitarrista, e Beatrice Demori di Allround Media, che hanno fatto un lavoro enorme per riuscire a realizzare tutto questo.
C’è poi un’altra piccola parentesi legata alla location. Proprio davanti a quel teatro, nella piazza dove si svolgono le scene iniziali, quelle in cui il protagonista trova il biglietto ed entra per assistere all’opera “Interstellar Madness“, c’è un luogo per noi molto speciale.
Mi vengono quasi i brividi a dirlo, ma è stato il primo posto in cui la band si è riunita. È stato il punto di ritrovo della primissima volta in cui ci siamo incontrati tutti e cinque, arrivando dalle rispettive città. Da lì, in un certo senso, è iniziato tutto.
- Parlando di Chiara Tricarico e delle mille cose che fa: hai un tour estivo con Avantasia e hai anche annunciato che, tra ottobre e novembre, canterai con le Exit Eden al posto di Marina. Come fai a destreggiarti tra tutti questi mondi narrativi diversi? Immagino che anche mentalmente tu debba prepararti in modo diverso prima di salire sul palco, oltre ovviamente a tutto il lavoro vocale e alle prove.
Allora, dal punto di vista più pratico è semplicemente una questione di organizzazione. Io non sono una persona che ha paura di fare fatica. D’altronde il lavoro che mi sono scelta mi appassiona tantissimo. Anzi, a volte il problema è quasi l’opposto: quando fai qualcosa che ami così tanto, anche se è un lavoro, ti accorgi della stanchezza troppo tardi. Sei così presa da quello che stai facendo che continui ad andare avanti, poi a un certo punto ti fermi e pensi “Aspetta… forse ho esagerato un po’“.
A parte questo, che è probabilmente una caratteristica del mio carattere, io non sono una persona che si arrende facilmente. Mi piace portare a termine quello che inizio e continuo ad andare avanti a testa bassa quando credo in qualcosa. Quindi sì, serve davvero tanta organizzazione per riuscire a far convivere tutti questi progetti. Dal punto di vista mentale, invece, sono stata anche molto fortunata. Entrare negli Avantasia è stato speciale perché è una realtà che amo profondamente, quindi immergermi in quel mondo viene quasi naturale. Sono canzoni meravigliose e questo rende tutto più semplice.
In generale, però, ogni volta che studio un brano nuovo, e mi è capitato di lavorare anche con realtà molto diverse tra loro, la cosa più importante per me è riuscire a entrare davvero nella canzone e trovare una mia chiave interpretativa. Se non ho scritto io quel brano, non posso sapere esattamente cosa avesse in mente chi lo ha composto. Però, per interpretarlo in modo autentico, ho bisogno di trovare qualcosa che risuoni con me. Magari non è scritto esplicitamente nel testo, ma è un’immagine, un’emozione o un significato che funziona per me e che mi aiuta a esprimere qualcosa di sincero attraverso quella canzone. È questo che rende l’interpretazione autentica.
- Questa era l’ultima domanda, ti lascio spazio per chiudere l’intervista.
Innanzitutto grazie a te, Pinka, per l’intervista. Le tue domande sono sempre molto ricercate, interessanti e profonde. Vorrei mandare un saluto a tutti i lettori di Heavywords. Ci vediamo in giro!