Heavyworlds.com | [ENG/ITA] Interview with MELISSA BONNY

Melissa returns with her debut solo album Cherry Red Apocalypse, a bold and genre-defying record that blends metal, pop-rock, and cinematic storytelling. In this exclusive interview for Heavyworlds, she opens up about the creative process, personal inspiration, and the vision behind her striking visuals.

[ENG] Hello Melissa and welcome on Heavyworlds, it’s a pleasure to have you here, how are you doing?

Fine thank you, it’s a pleasure to talk with you. And how are you doing?

Good thank you! Let’s start: How are you feeling as the release of “Cherry Red Apocalypse” is getting closer?

I’m obviously very excited, but also very nervous, because it’s a different album and it’s the first time I release something on my own, and I also chose to release it independently so it’s a lot more work for me to do, but I’m really impatient.

When you are creating music under your name, without the identity of a band behind you, what part of yourself becomes louder and what part becomes quieter?

I think for me it’s the possibility to explore things that I haven’t been able to explore with my bands. You’ve heard the album, it’s not a typical metal album and that’s the reason why I felt the need of releasing it under my own name. With this, the possibility to do something that is sometimes more metal, but sometimes more pop rock, sometimes more organic and to really explore without any limit, because when I release music with, for example, Ad Infinitum or The Dark Side of the Moon, we have a certain style that we identify to. Even though we are very free, we still have to be coherent with what we are doing. And with this, it was the possibility for me to just be myself and to do whatever I wanted to do, because nobody has any expectations of what this is going to be and it was like taking off a layer of armor.

Do you feel more like removing an armor for yourself or forging a new one?

I felt like it was showing a different side of me, and perhaps saying different things as well.

And what does the title represent to you on a personal and artistic level?

It’s really the duality between the cherry red which is sweet, it’s something soft, something positive, and then apocalypse, which is the chaos and a little bit of darkness. So it’s really this mix of everything that this album is, from one extreme to the other.

And how did you balance this contrast between sweetness and chaos anddestruction during your songwriting?

I think it’s just, at some point, I was writing many, many songs, and choosing which ones would make it on the album. And at some point, I just decided “okay, this song is going to make it on the album, this song… I love it, this song has to be on the album, etc“. And I kind of started to make a map. And then I was like “Okay, what does the album need now?“. Because I still had some ideas, I still had some inspiration to write more. So at some point, I stopped writing everything I wanted, and I was like “Okay, what do we need to conclude this process in this album?“.

And was there a song during which you realized you were revealing more than you had planned?

I’m not sure if I felt like I was revealing more but when I wrote “Mama Let Me Go” with French lyrics, this made me very vulnerable because I’ve never recorded anything with French lyrics on the professional level. And I felt very insecure about it because I’m not used to doing anything in French. And this is my mother language and I didn’t know how to do it right. I was like, I know French, I’ve spoken French since the beginning of my life but I felt a lot more pressure to make it sound right because it’s uncharted territory for me.

And the first single, “I’m a Monster”, is a very powerful song with powerful energy. What inspired this track? It seems to talk about being judged or misunderstood so what inspires you to explore this theme in your first solo single?

Personal experiences. You know, I feel like there’s always two sides of the situation and sometimes you have to shift your perspective to see it from the other person’s side. And sometimes, you know, we are the monster in someone else’s story from their perspective and someone is the monster in our story from our perspective. And it’s about this, looking at it from different angles.

And talking about the next track, “Snake Bite”, it’s a collaboration between your vocals and Yu Umehara. How does this collaboration come out?

It’s kind of funny because this song was written so… I saw an interesting quote on the internet and I was like “oh, transforming this would make cool lyrics“. And I just wrote it in my lyrics book and then I was like “Wait, I have the rhythm in my mind, I need to record it on my phone“. So I recorded on my phone and I’m like “you know what? I’m going to pause everything I’m doing and I’m going to start this song“. And I started writing this song and there was the dragon, the snake and all that. And I was like adding some sounds and adding some mood. And I thought it would be so cool with some Japanese lyrics, it would just fit. And so I contacted Yu during the process of recording and she accepted to join me on that song and this is how it happened.

And the title of the song, “The Teeth of My Thieves”, suggests being hurt or drained by something or someone. What was the idea of the feeling behind this concept when you wrote the song?

It’s about the teeth are in fact the fangs of the vampires. But you know, the vampires, not in the sense of the Twilight Vampires or Dracula but in the sense of certain people in your life who maybe drain your energy or take from you more than you’re willing to give. And this is the metaphor of the vampires and their teeth. And thieves in the sense of they take without you giving.

And what can you tell me about “Devil on My Tongue” and “Afterglow”?

“Devil on My Tongue” is a very playful song. The way I pictured it when I was writing it was “you’re in a bar and you’re starting a fight. You see a situation that happens, maybe a guy who doesn’t let a girl alone or something like this. And you’re like, I’m going to fight this. I’m going to start the fight“. And it’s this feeling of, you know, like, I could be the bigger person, but I’m not going to be. And “Afterglow“, it’s the very last song I wrote. And it’s actually funny because I wrote it when we were on tour and Morten was about to record the drums a few days after the tour. And I was like ” I have one last song“. And everybody in the team was like “Okay, okay, we’re going to finish it on time, I guess, for the recordings“. And I was very inspired by the band Fall Out Boy and this energy that is a little bit like punk or rock. And it’s a bit of a rebellious song that says “throw me down to the wolf and I’ll come back with them having my back“. It’s a little bit inspired by, there’s one part of the lyrics, I think from Bring Me The Horizon “So you can throw me to the wolves, tomorrow I’ll come back leader of the whole pack“. It’s a little bit in this feeling, it was inspired by this. And I think this feeling of the chorus inspired the rest. And it was also inspired by some personal experience when growing up and not being the cool kid.

And “Highs and Lows”s a really great ballad. I think it’s one of my favorites of the album. And it seems to explore the journey of accepting both the intense and quieter moments of your life and finding freedom in the balance. And how did this idea of letting go and realizing your own fight inspired the song?

It’s also one of my favorite songs on the album and it’s about, again, personal experience of just choosing to take the risk of, in my case, being a professional musician. Going from a steady job, secure in an office, to, you know what, this is not for me. I’m just gonna try to be a musician, I know that it’s risky. I know that it can be scary but the risk is worth the reward. And this is basically the whole concept of the song. It’s chasing your dreams even though you know that you might fall.

And talking about another collaboration, there is a spoken track with Fabienne Erni and Adrienne Cowen, which was really, really particular. You girls are talking about the meaning of the crescent moon. How did you thought to put something so different, when someone thinks about collaboration they think about three singers singing together. This is a talk dialogue about the crescent moon, its meaning, channeling the energy into music and all of this stuff. So how does this idea come to mind?

Well, first of all, I see you have a crescent moon artwork behind you (smiles). The idea came from when I was listening to an album from Ariana Grande and she had an interlude like this. And I just wanted to do something a bit different to give a breather to the album. You know, it’s like song, song, song, song, song. And then there’s this moment which introduces the next song on the album, which is “Spellbound” because you can hear already some melodies starting to shape up. But I think that “yeah, of course, it would be sick to do a song with Fabienne and Adrienne“. But I really like the idea came first to have an interlude and then I invited them. I was like “Oh, it would be cool to have it as a discussion with like two people who experienced the same thing as me” which is channeling your energy and feelings into creating something that is truly meaningful to us and to a lot of people.

“Mama Let Me Go” feels deeply emotional and intimate. I think I got the meaning. How does it felt to explore such an intimate and really private moment of your life in such a song?

Well, it was very, very challenging in the sense that, first of all, the song itself is different. It’s a different structure. We kept it for the last to record drums and I don’t remember if we recorded vocals last. At least when we created the structure and when Morten went into the studio to record drums, we kept this one for last. First of all, because we changed to an old drum kit, like a vintage drum kit to change the sound of it. And also we were still discussing a bit the structure because it was inspired by the kind of Fleetwood Mac style of music. And we had to get it right because it’s very stripped down. It’s very naked so every little hit matters. Every little vocal thing, like everything, you can hear it. So we really had to be careful with crafting this and then the whole thing about singing in French, which was more difficult. I think the meaning of the lyrics was at that time easier because, I mean, it’s still a very powerful moment in my life to leave home and so on. At that time, it was probably easier to deal with the lyrics and to open up with this than creating the music. Now, in retrospect, my dad passed away in the meantime. And this song has a whole new meaning to me now and I think it would be very difficult to record it today.

So was it recorded before? Because when I listened to the song, I also heard the French part, which I knew you are from the French Switzerland part. And I thought it was linked to your childhood, the memories with your father so I don’t want to ask you directly the question, but I thought it was written for him.

It was recorded before but instead, it has a new meaning now. I mean, it was written for both my parents. But at that time, I thought that both of them would hear it.

And “Snow on Mars” seems to explore the desire to escape, to rise above chaos and to find a perspective in another world. What emotion or thoughts inspired these songs? And what does rising, which you repeat a lot in the songs, mean to you personally in this contest?

When I wrote this song, I don’t exactly remember when I started writing the lyrics of it but in the context of the war between Russia and Ukraine, everything we’re hearing every day on the news with America, with the entire world, with Gaza, Palestine and everything. You open the news and it’s just dark and dark and dark. And I think at that time, I was just like “oh, my God, it would just be good to go away from this and it’s just a distant noise”. And I pictured myself sitting on the moon and just watching the infinity of the universe and there’s this silence and there’s this darkness, but it’s a darkness that is both peaceful and a little bit intimidating. But the noise is gone so that was my feeling when writing this. As you can also feel from the video that came out some minutes ago.

And speaking about the videos, everything feels very well thought out, the environment, what you’re wearing, the decorations, all of it. It really seems carefully designed to fit the song. So are these ideas coming from you or is there a team behind the videos?

So I had some, I really wanted to have a concept for the entire album. And you can see that in each video, there are the flowers, there’s like a dominating color. There are some patterns that repeat everywhere, also on the album cover, on the official pictures and all that. This is something I approached everyone I worked with and I was like “Okay, this is the thing. I want to have those flowers, which are direct contrast with the more rock outfits or black outfits”. You have this black, these black clothes and there’s a bit of leather and so on, which are more modern and dark. And then I wanted to contrast with the flowers and the nature also in the background and all that to really show these two aspects. Also, like I was explaining to you, “Cherry Red and The Apocalypse”. And then, of course, once I gave those ideas, the people who worked with me on, makeup, sets, pictures, videos and so on, made it happen and also gave their own experience and ideas to the final result.

For this album, you worked with Jakob Hansen and Vikram Shankar. How was working with them for a different sound for the album? How was teaming with them for a solo album with all these different sounds?

It was honestly super easy because they have lots of experience with different sounds and they listen to a lot of music. For example Vikram, I know that we have very similar tastes in music and that it’s not limited to metal. So when I told him “Okay, I want something like this and that. Those are my influences. Those are my inspirations“. He was like “I get it. It’s good“. And then he delivered. Jakob, I trust him because we’ve been working together for many years now. And I also know that the kind of music he listens to is not limited to metal. And that he would understand the kind of sound we needed for this album.

And I know it’s soon to ask you this question, but do you plan to make some gigs with this solo material? Maybe performing with a different kind of stage concept?

Yeah, I do. Actually, I’m thinking about it a lot at the moment because I really want to make it happen. I would definitely do something different on stage to show the identity of this project. I hope that people will be offered. I mean, there’s always a part of me that is nervous about it because it’s not the typical metal album. It’s a very diverse record but definitely, I want to present this on stage. I want to have the pleasure to play these songs on stage.

Now I’m asking a nerd question. I saw some days ago you put some stories on Instagram about Magic the Gathering witha deck. So if Cherry Red Apocalypse were a deck, what color combination would it be?

Oh, it would be red, black and white.

And how do you balance your intense creative life, touring, writing songs for all the bands, with moments of stillness, hobbies?

There’s not many moments of stillness but no, I try to be better at not overbooking myself so that I can also do some stuff at home and not always be on the go. For example, I had to refuse a few collaborations recently because I knew that I needed time for myself. For example, now at home, we just finished the headline tour with An Infinitum and our next gig will be in January or the beginning of February. So this is something that is very valuable to have almost three months at home. And I try to have this in mind when we’re booking stuff now, like “Okay, we have this and we have that“. I need a bit of time at home. I need a bit of time for recordings or this and that. But so far, really, it’s been only the end of the year that slowed down for me and when it starts to be the holiday season and people are not touring so much and going on vacation.

Touring with Kamelot as one of the female roles is a unique role. What was the most challenging part of adapting to a band with such a strong theatrical and emotional identity?

I would not say that it was very challenging because Kamelot is a band that I had been listening to for many years and I felt like it was very natural to join the guys. And I had a great experience and I had the chance to visit many countries I had never played or visited actually before. I think my main challenge was more like with myself and my own expectations of what I wanted to deliver on stage because I wanted to do justice to their show and their work.

And what about the time when you stepped in on stage for Nils Molin with Amaranthe? What goes through your mind in that last minute situation? Adrenaline? Panic?

Oh, I was I was very nervous because I had to learn an entire headliner set of, I think, 14 songs in I don’t know how long I had, but not not many weeks. I was just nervous because I knew that it was a headline show for them and I didn’t want people to think that they they’re not getting the full experience so I wanted to be on point with lyrics, which was like a lot of lyrics to learn. I wanted to be on point with the interpretation, with the delivery of the of the vocals of my parts. So I was very nervous and I rehearsed more than any show I’ve had my entire life. I think I rehearsed this set so many times and it went well.

Last question, if you had to run off to a desert Island, which would be five things you take with you?

I would take a bag of snacks. I would take my phone, my headphones, sunscreen, and my Kindle.

– I leave you some time to say something to your fans and Heavyworlds readers

Well, basically, I just hope that everybody will give a lesson to the album and that they will find something that they enjoy. And I hope to see people on the road while playing those songs. Also a big thank you to everyone who already pre-ordered the album. That’s it means a lot.

[ITA] Ciao Melissa e benvenuta su Heavyworlds, è un piacere averti qui. Come stai?

Bene, grazie, è un piacere parlare con te. E tu come stai?

Bene, grazie! Iniziamo: come ti senti ora che l’uscita di “Cherry Red Apocalypse” si avvicina sempre di più?

Sono ovviamente molto entusiasta, ma anche molto nervosa, perché è un album diverso ed è la prima volta che pubblico qualcosa da sola. Ho anche scelto di pubblicarlo in modo indipendente, quindi c’è molto più lavoro da fare per me, ma non vedo davvero l’ora.

Quando crei musica a tuo nome, senza l’identità di una band alle spalle, quale parte di te diventa più forte e quale invece più silenziosa?

Penso che per me significhi la possibilità di esplorare cose che non sono riuscita a esplorare con le mie band. Hai ascoltato l’album: non è un tipico album metal, ed è proprio per questo che ho sentito il bisogno di pubblicarlo a mio nome. Mi ha dato la possibilità di fare qualcosa che a volte è più metal, a volte più pop rock, a volte più organico, e di esplorare davvero senza limiti. Quando pubblico musica con, per esempio, Ad Infinitum o The Dark Side of the Moon, abbiamo uno stile ben definito con cui ci identifichiamo. Anche se siamo molto liberi, dobbiamo comunque essere coerenti con ciò che facciamo. Con questo progetto, invece, ho avuto la possibilità di essere semplicemente me stessa e fare quello che volevo, perché nessuno aveva aspettative su cosa sarebbe stato. È stato come togliersi un’armatura.

Ti è sembrato più di toglierti un’armatura o di forgiarne una nuova?

Ho sentito che stavo mostrando un lato diverso di me e forse anche dicendo cose diverse.

E cosa rappresenta il titolo per te, a livello personale e artistico?

È davvero la dualità tra il “cherry red”, che è dolce, morbido, positivo, e l’“apocalypse”, che rappresenta il caos e un po’ di oscurità. È questo mix di tutto ciò che è l’album, da un estremo all’altro.

E come hai bilanciato questo contrasto tra dolcezza e caos/distruzione durante la scrittura dei brani?

Penso che a un certo punto stessi scrivendo moltissime canzoni e poi scegliendo quali sarebbero finite sull’album. A un certo punto ho deciso: “ok, questa canzone entrerà, questa la amo, deve esserci” e ho iniziato a creare una sorta di mappa. Poi mi sono detta: “ok, di cosa ha bisogno adesso l’album?”. Avevo ancora idee e ispirazione per scrivere altro, ma a un certo punto ho smesso di scrivere tutto ciò che mi veniva in mente e ho iniziato a chiedermi: “cosa serve per concludere questo processo in questo album?”.

C’è stata una canzone durante la quale ti sei resa conto di rivelare più di quanto avevi previsto?

Non so se ho avuto la sensazione di rivelare di più, ma quando ho scritto “Mama Let Me Go” con testi in francese, mi sono sentita molto vulnerabile, perché non avevo mai registrato nulla in francese a livello professionale. Mi sentivo molto insicura perché non sono abituata a fare nulla in francese. È la mia lingua madre, ma non sapevo come farlo “nel modo giusto”. Pensavo: so il francese, lo parlo da sempre, ma sentivo molta più pressione nel farlo suonare bene, perché era un territorio completamente nuovo per me.

Il primo singolo, “I’m a Monster”, è un brano molto potente e carico di energia. Cosa lo ha ispirato? Sembra parlare di giudizio o di essere fraintesi: cosa ti ha spinto a esplorare questo tema nel tuo primo singolo solista?

Esperienze personali. Sai, sento che ci sono sempre due lati in ogni situazione e che a volte bisogna cambiare prospettiva per vedere le cose dal punto di vista dell’altra persona.

E parlando del brano successivo, “Snake Bite”, si tratta di una collaborazione tra la tua voce e Yu Umehara. Come è nata questa collaborazione?

È piuttosto divertente, perché questa canzone è stata scritta in modo molto spontaneo. Ho visto una citazione interessante su internet e ho pensato: “Oh, trasformarla potrebbe diventare un testo figo”. Così l’ho scritta sul mio quaderno dei testi e poi mi sono detta: “Aspetta, ho il ritmo in testa, devo registrarlo sul telefono”. L’ho registrato sul telefono e ho pensato: “Sai che c’è? Metto in pausa tutto quello che sto facendo e inizio questa canzone”. Così ho cominciato a scriverla, con il drago, il serpente e tutto il resto. Aggiungevo suoni, atmosfera, mood. A un certo punto ho pensato che sarebbe stato fantastico inserire dei testi in giapponese, sarebbe stato perfetto. Così ho contattato Yu durante il processo di registrazione e lei ha accettato di partecipare al brano. Ed è andata così.

Il titolo della canzone, “The Teeth of My Thieves”, suggerisce l’idea di essere feriti o prosciugati da qualcosa o qualcuno. Qual era il sentimento dietro questo concetto quando hai scritto il brano?

Si tratta del fatto che quei “denti” sono in realtà le zanne dei vampiri. Ma non i vampiri alla Twilight o Dracula: parlo di quelle persone nella tua vita che magari ti prosciugano l’energia o prendono da te più di quanto tu sia disposto a dare. Questa è la metafora dei vampiri e dei loro denti.
E “thieves”, ladri, nel senso che prendono senza che tu stia davvero dando.

E cosa puoi dirmi di “Devil on My Tongue” e “Afterglow”?

“Devil on My Tongue” è una canzone molto giocosa. Quando la immaginavo mentre la scrivevo, pensavo a questa scena: sei in un bar e stai per iniziare una rissa. Vedi una situazione, magari un ragazzo che non lascia in pace una ragazza o qualcosa del genere, e pensi: “Ok, combatto io. Inizio io la rissa”.
È quella sensazione del tipo: potrei essere la persona più matura, ma non lo sarò. “Afterglow”, invece, è l’ultimissima canzone che ho scritto. Ed è curioso perché l’ho scritta mentre eravamo in tour e Morten avrebbe registrato la batteria pochi giorni dopo la fine del tour. Io ho detto: “Ho ancora un’ultima canzone”. E tutto il team era tipo: “Ok, ok, allora cercheremo di finirla in tempo per le registrazioni”.
Ero molto ispirata dai Fall Out Boy e da quell’energia un po’ punk/rock. È una canzone leggermente ribelle che dice: “Buttami pure in mezzo ai lupi e tornerò con loro dalla mia parte”. C’è anche un riferimento a una parte di testo, credo dei Bring Me The Horizon: “So you can throw me to the wolves, tomorrow I’ll come back leader of the whole pack”. L’atmosfera è un po’ quella, mi ha ispirata molto. Penso che proprio la sensazione del ritornello abbia ispirato tutto il resto del brano. Ed è stata anche influenzata da alcune esperienze personali, legate alla crescita e al non essere il “ragazzo cool”.

E “Highs and Lows” è una ballad davvero bellissima. Penso sia una delle mie preferite dell’album. Sembra esplorare il percorso di accettazione sia dei momenti intensi sia di quelli più silenziosi della propria vita, trovando la libertà nell’equilibrio. Come ti ha ispirato questa idea del lasciar andare e del renderti conto della tua battaglia personale nella scrittura del brano?

È anche una delle mie canzoni preferite dell’album ed è, ancora una volta, basata su un’esperienza personale: scegliere di correre un rischio, nel mio caso diventare una musicista professionista. Passare da un lavoro stabile e sicuro in ufficio a dire “sai cosa? Questo non fa per me. Proverò a fare la musicista”. So che è rischioso, so che può fare paura, ma il rischio vale la ricompensa. Ed è fondamentalmente questo il concetto della canzone: inseguire i propri sogni anche sapendo che si potrebbe cadere.

E parlando di un’altra collaborazione, c’è una traccia parlata con Fabienne Erni e Adrienne Cowen, davvero molto particolare. Parlate del significato della luna crescente. Quando si pensa a una collaborazione, di solito si immaginano tre cantanti che cantano insieme; qui invece si tratta di un dialogo parlato sulla luna crescente, sul suo significato, sul canalizzare l’energia nella musica e su tutti questi aspetti. Come ti è venuta in mente un’idea così diversa?

Beh, prima di tutto vedo che hai un artwork con una luna crescente dietro di te (sorride). L’idea è nata mentre ascoltavo un album di Ariana Grande, in cui c’era un interludio di questo tipo. Volevo fare qualcosa di un po’ diverso, per dare una pausa all’album. Sai, è come canzone, canzone, canzone, canzone… e poi c’è questo momento che introduce il brano successivo, “Spellbound”, perché si iniziano già a sentire alcune melodie che prendono forma. Ovviamente sarebbe stato fantastico fare una canzone con Fabienne e Adrienne, ma l’idea è nata prima: creare un interludio e poi invitarle. Ho pensato: “Sarebbe bello farlo come una conversazione con due persone che hanno vissuto la stessa cosa che ho vissuto io”, cioè canalizzare la propria energia e i propri sentimenti nella creazione di qualcosa che sia davvero significativo per noi e per molte altre persone.

“Mama Let Me Go” è un brano profondamente emotivo e intimo. Credo di averne colto il significato. Com’è stato esplorare un momento così intimo e davvero privato della tua vita in una canzone del genere?

È stato molto, molto impegnativo, innanzitutto perché la canzone in sé è diversa: ha una struttura differente. L’abbiamo tenuta per ultima quando si è trattato di registrare la batteria, e non ricordo se abbiamo registrato le voci per ultime, ma sicuramente, quando abbiamo definito la struttura e Morten è entrato in studio per registrare la batteria, questa l’abbiamo lasciata per ultima.
Prima di tutto perché siamo passati a una batteria vecchia, una sorta di batteria vintage, per cambiarne il suono. Inoltre stavamo ancora discutendo un po’ la struttura, perché era ispirata a uno stile alla Fleetwood Mac. Dovevamo azzeccarla, perché è un brano molto essenziale, molto “nudo”: ogni piccolo colpo conta, ogni minimo dettaglio vocale si sente. Bisognava quindi costruirla con grande attenzione.
Poi c’è stata tutta la questione del cantare in francese, che è stata ancora più difficile. Penso che all’epoca il significato del testo fosse in realtà più facile da affrontare, perché si tratta comunque di un momento molto forte della mia vita, quello di lasciare casa e così via. In quel momento era probabilmente più semplice gestire il testo e aprirmi emotivamente che non creare la musica. Ora, col senno di poi, mio padre è nel frattempo venuto a mancare. Questa canzone ha assunto per me un significato completamente nuovo e credo che oggi sarebbe molto difficile registrarla.

Quindi è stata registrata prima? Perché quando ho ascoltato la canzone ho notato anche la parte in francese, sapendo che vieni dalla Svizzera francese, e ho pensato fosse legata alla tua infanzia e ai ricordi con tuo padre. Non voglio chiedertelo direttamente, ma ho avuto l’impressione che fosse scritta per lui.

È stata registrata prima, ma ora ha un significato nuovo. Era scritta per entrambi i miei genitori, ma all’epoca pensavo che entrambi l’avrebbero ascoltata.

Mi dispiace… “Snow on Mars” sembra invece esplorare il desiderio di fuggire, di elevarsi al di sopra del caos e di trovare una prospettiva in un altro mondo. Quali emozioni o pensieri hanno ispirato questo brano? E cosa significa per te, a livello personale, quel “rising” che ripeti spesso nella canzone, in questo contesto?

Quando ho scritto questa canzone non ricordo esattamente quando ho iniziato a lavorare sui testi, ma era nel contesto della guerra tra Russia e Ucraina, di tutto ciò che sentiamo ogni giorno al telegiornale riguardo all’America, al mondo intero, a Gaza, alla Palestina e a tutto il resto. Apri le notizie ed è solo buio, buio, buio. In quel periodo pensavo: “Oh mio Dio, sarebbe bello potersi allontanare da tutto questo, che diventi solo un rumore lontano”. Mi immaginavo seduta sulla Luna a osservare l’infinito dell’universo, immersa in questo silenzio e in questa oscurità che è allo stesso tempo pacifica e un po’ intimidatoria. Ma il rumore sparisce. Questo era il sentimento che avevo mentre scrivevo la canzone, e lo si percepisce anche dal video uscito pochi minuti fa.

E parlando dei video, tutto sembra davvero molto studiato: l’ambiente, ciò che indossi, le decorazioni, ogni dettaglio. Sembra tutto progettato con cura per adattarsi alla canzone. Quindi queste idee vengono da te o c’è un team dietro i video?

Allora, io avevo delle idee e volevo davvero avere un concetto per l’intero album. E si può vedere che in ogni video ci sono i fiori, c’è un colore dominante, ci sono dei motivi che si ripetono ovunque, anche sulla copertina dell’album, nelle foto ufficiali e così via. Questo è qualcosa che ho condiviso con tutte le persone con cui ho lavorato e ho detto: “Ok, questa è la cosa. Voglio avere questi fiori, che stanno in diretto contrasto con gli outfit più rock o con gli abiti neri”. Hai questo nero, questi vestiti neri e un po’ di pelle e così via, che sono più moderni e scuri. Poi volevo contrastare tutto questo con i fiori e la natura anche sullo sfondo, per mostrare davvero questi due aspetti. Come ti stavo spiegando, “Cherry Red and The Apocalypse”. E poi, ovviamente, una volta che ho dato queste idee, le persone con cui ho lavorato, trucco, scenografie, foto, video e così via, hanno realizzato tutto e hanno anche aggiunto la loro esperienza e le loro idee al risultato finale.

Per questo album hai lavorato con Jakob Hansen e Vikram Shankar. Com’è stato lavorare con loro per ottenere un sound diverso per l’album? Com’è stato collaborare con loro in un album solista con tutti questi suoni diversi?

È stato davvero molto semplice, perché hanno molta esperienza con suoni diversi e ascoltano molta musica. Per esempio Vikram: so che abbiamo gusti musicali molto simili e che non sono limitati al metal. Quindi quando gli ho detto “Ok, voglio qualcosa di questo tipo e di quello. Queste sono le mie influenze, queste sono le mie ispirazioni”, lui ha risposto “capisco, va bene”. E poi ha realizzato tutto. Jakob, invece, mi fido ciecamente perché lavoriamo insieme da molti anni ormai. E so anche che il tipo di musica che ascolta non è limitato al metal, e che avrebbe capito il tipo di sound di cui avevamo bisogno per questo album.

E so che è presto per chiederti questa domanda, ma hai in programma di fare qualche concerto con questo materiale solista? Magari con un concept di palco diverso?

Sì, lo voglio fare. In realtà ci sto pensando molto in questo momento perché voglio davvero che succeda. Sicuramente farei qualcosa di diverso sul palco per mostrare l’identità di questo progetto. Spero che ci sarà l’opportunità. Voglio dire, una parte di me è sempre nervosa perché non è un album metal tipico. È un disco molto vario, ma sicuramente voglio presentarlo dal vivo. Voglio avere il piacere di suonare queste canzoni sul palco.

Ora ti faccio una domanda da nerd. Ho visto qualche giorno fa che hai messo delle storie su Instagram su Magic the Gathering con un mazzo. Quindi se Cherry Red Apocalypse fosse un mazzo, quale combinazione di colori sarebbe?

Oh, sarebbe rosso, nero e bianco.

E come riesci a bilanciare la tua intensa vita creativa, i tour, la scrittura di canzoni per tutte le band, con momenti di tranquillità e hobby?

Non ci sono molti momenti di tranquillità, ma sì, cerco di migliorare nel non sovraccaricarmi troppo, in modo da poter fare anche cose a casa e non essere sempre in movimento. Per esempio, recentemente ho dovuto rifiutare alcune collaborazioni perché sapevo di avere bisogno di tempo per me stessa. Adesso, a casa, abbiamo appena finito il tour da headliner con Ad Infinitum e il prossimo concerto sarà a gennaio o all’inizio di febbraio. Quindi è davvero prezioso avere quasi tre mesi a casa. E cerco di tenerlo in mente quando stiamo pianificando le cose adesso, tipo “Ok, abbiamo questo e quello, ma ho bisogno di un po’ di tempo a casa. Ho bisogno di tempo per registrazioni e così via”. Finora, davvero, è stato solo alla fine dell’anno che ho rallentato, perché in quel periodo è la stagione delle vacanze e le persone non fanno tour così tanto e vanno in vacanza.

Fare il tour con i Kamelot come uno dei ruoli femminili è un ruolo unico. Qual è stata la parte più difficile nell’adattarti a una band con un’identità così forte, teatrale ed emotiva?

Non direi che sia stato molto difficile, perché i Kamelot sono una band che ascoltavo da molti anni e mi è sembrato naturale unirmi a loro. È stata una grande esperienza e ho avuto l’opportunità di visitare molti paesi in cui non avevo mai suonato o che non avevo mai visitato prima. Penso che la mia sfida principale fosse più con me stessa e con le mie aspettative su cosa volevo offrire sul palco, perché volevo rendere giustizia al loro show e al loro lavoro.

E che mi dici del momento in cui sei salita sul palco al posto di Nils Molin con gli Amaranthe? Cosa ti passava per la testa in quella situazione dell’ultimo minuto? Adrenalina? Panico?

Oh, ero molto nervosa perché dovevo imparare un intero set da headliner, penso di 14 canzoni, in non so quanto tempo, ma non molte settimane. Ero nervosa perché sapevo che era uno show importante per loro e non volevo che la gente pensasse di non avere l’esperienza completa. Volevo essere perfetta con i testi, che erano tanti da imparare. Volevo essere precisa nell’interpretazione e nell’esecuzione vocale delle mie parti. Quindi ero molto nervosa e ho provato più che in qualsiasi altro show della mia vita. Ho provato questo set tantissime volte e alla fine è andata bene.

Ultima domanda: se dovessi fuggire su un’isola deserta, quali sarebbero le cinque cose che porteresti con te?

Porterei una borsa di snack, il telefono, le cuffie, la crema solare e il mio Kindle.

Ti lascio un momento per dire qualcosa ai tuoi fan e ai lettori di Heavyworlds.

Beh, fondamentalmente spero solo che tutti ascoltino l’album e che trovino qualcosa che gli piaccia. Spero di vedere la gente on the road mentre suono queste canzoni. Inoltre un grande grazie a tutti quelli che hanno già preordinato l’album. Significa davvero molto.