Heavyworlds.com | [ENG/ITA] Interview with Michael Kiske (HELLOWEEN)

We had the chance to catch up with Michael Kiske, one of the iconic voices of Helloween, to talk about their new album “Giants & Monsters”, the upcoming 40th-anniversary tour, and what it’s like to reunite with Andi Deris and Kai Hansen after so many years. In this chat, we dive into the creative process, the challenges of recording and performing and the stories behind the songs that have made Helloween a lasting force in metal.

[ENG] Good evening Michael Kiske! How are you doing?

I’m good. How are you? Where are you based?

I’m from Italy. It’s really hot here, so I’m kind of melting (laughs ndr)

That’s not too far away. We’ve had that two days ago. It was like 38 degrees. I think we had that.
We had that in all Europe, but actually where I am, it has cooled down. It’s about 22 or 23 degrees. That’s nice.

Oh, wow. It’s around 38°C here today, yesterday was 40°C.

That’s too much.

Yes! We can start: welcome on Heavyworlds.com, it’s a pleasure to have you back here. How are you doing and how are these promotional days going so far?

Well, I like to talk. I like to communicate. That’s my thing so I’m just doing interviews and I don’t really call it promotion really. I hardly talk about the album and stuff like that. It depends on the questions, of course, but no, I enjoy it. I always liked making interviews. I think it has to do with the music scene a little bit. The people that want to have an interview or something, they’re usually really interested. They’re usually excited about what you’re doing. I mean, it’s very rarely that you’re dealing with someone who’s just having to have an interview and doesn’t even know what you do. Occasionally it happens, like a newspaper or whatever, when it happens that you get charged to something but usually people are very interested and it’s easy to have a nice conversation.

Talking about your new album “Giants & Monsters” coming out in August, this is a very powerful title. What does it mean to you personally and how does it reflect the message or energy of the album in your opinion?

Well, the songs all came together on their own. The songwriter writes the song and then it unfolds in a certain way. It doesn’t necessarily have much to do with the title in the end. And then it comes to the time where you have to think about something. We had a few titles that could have been nice. Even some that I would have preferred maybe, but especially Kai liked Monsters. He wanted it to be just called “Monsters”, but not in a dark way, more like in a funny way. That was the basic idea. But everybody else thought it was too little. So we ended up with “Giants and Monsters“. And we just thought you can do the most with it. In the end, the cover ended up being almost abstract art. We didn’t do any of the things that we were talking about at first. We gave the idea to a few artists who suggested covers, rough cover ideas. And somehow we ended up with that one. But we just thought you can do a lot with it, in terms of artwork and whatever and this is why we had chosen that title. It’s also quite open. It can be anything. The dynamics between the average person can be the “Monsters and the Giants”, the big companies who enslave everybody. A Giant could be something you have to overcome in life. Something that’s like a huge mountain that you have to climb in your personal life. And that can be a Giant or a Monster, you know what I mean? It doesn’t have any specific meaning. We just like the dynamics and when you look at the cover now, with this pumpkin man fighting those demonic figures… To me, it stands like what I always like to see, this band being more positive and idealistic and not one of those dark and satanic bands. And I think this cover kind of shows…It’s almost like the band fighting against demons or something like that. And when you look at the lyrics of the songs, even though it was not intended, it was not that we had a discussion before and said “ah, we’re going to write about this“. It just happens that pretty much all the songs have almost spiritual subjects. It’s like the way everybody dealt with it. And so it kind of came together very naturally. And it works. It was not even intended. We just realized it ourselves when we did the first couple of interviews with everybody together. We just noticed that there’s almost like a red line between the lyrics. It kind of fits together, which is probably just showing that we’re very organic as a band at the moment and kind of in the same spirit somehow.

And the opener “Giants On The Run” immediately explodes with energy. What was your reaction the first time you heard it finished?

Which one?

The first one, the opener of the album.

What is the opener?

“Giants On The Run”

“Giants On The Run”.. Yeah, I mean, I was surprised about pretty much all of the songs, to be honest with you I haven’t listened to the album for a while. Just the individual songs when we were working on it. But I was, in general, quite pleased with the material that came across. We did not have any problems with creativity. We had way too many songs. It’s like the next record is already written. Songs are already there. And it just turned out to be that those ones ended up on that record now. There was a bunch of songs that I was excited about. I don’t think I sang on the first one. That’s probably not so much in my head. But there were a couple of songs that, in the rough idea version, we didn’t really understand them much, especially some of the songs from Weikath. We were not so sure if they would work out. But they really did become much stronger in the end, in the production, than we thought. And that was quite a few times. You always have songs that stay what you think they are. You have a demo version. That’s a cool song. You produce it and it just proves itself to be that song. So no big surprises but then you have other songs that you didn’t have on the radar as particularly good. You might have even thought they end up on a B-side or something like that or a bonus track or anything like that. And then they turn out to be really strong. And that’s really exciting. We had that a few times with a bunch of songs.

Your voice on “Into the Sun” is deeply emotional. Can you tell me how you approached this duet and what made it special for you?

That was a favorite of mine right from the start. The song was already done for the previous record.
We recorded it, but they had changed it so much, also the key. They lowered the key and it didn’t sound as good as the original version. So they went back to the original version. They went back to the original key. They changed the lyrics a little so that they would work better as a duet because he wanted it to be a duet. And it was a favorite song of mine anyway.
The recording wasn’t too difficult somehow. “Universe” took longer until I was satisfied but “Into the Sun“, I always liked it. When you like a song, you usually can sing it easily because you connect with it more and others you have to get into a bit longer until you can make it your own. It has a very nice spiritual approach in terms of the lyrics as well. Very powerful. I like it a lot.

I like it too. I also felt the emotional part of the song. As I told you, I really loved your voice expressing this emotion.

Thank you! It’s a strong song, it’s great that we did it again. It was not on the previous one, it was on this one. We actually recorded three versions. There’s a complete Kiske version, complete Andi version, and there’s this duet. And I’m sure the other versions are going to be released somewhere as well, maybe on a single.

Talking about the other songs, were there particularly challenging songs to record or interpret vocally? You mentioned “Universe” for example.

Yeah, that took me a little longer because when you have a song like “Eagle Fly Free“, for instance, you have a very strong melody. So this works anyway. If you sing it like this or like that, it doesn’t matter much, it still works. But “Universe” is almost like a rough painting. It’s a bit static from the melody so it took me quite some time to figure it out. I think I recorded it three times until I liked it. It needed some kind of, I don’t know, getting used to. The producer was happier, earlier happier than I was. I was more critical than he was. But that happens sometimes. A song needs a bit of a production, needs a bit of love, needs a bit of getting used to. And then there was another song from, I don’t know the title. I just haven’t really listened to the album anymore since. But there’s one song from Weikath that we recorded it. And I had the idea, it needs to get some kind of a comedy, like an ironical tone. I need to do this differently. And then I was over-pronouncing things. I was over-doing things and then it was working.
Some songs just need a little bit of an extra kind of theatrical. It received a little bit of that rise and fall spirit because of that. And that was exactly what the song needed. And these things, you need to take the time for it. There was absolutely no time pressure. I was in Tenerife doing the vocals. I was there two and a half months. I was only singing when I felt like it. A lot of days in the sun. So it’s like no rush, no hurry. And I think that’s a good thing to do because you just need to catch a moment somehow.

And do you have a personal favorite track from “Giants & Monsters” either for musical or emotional reasons? I mean, it’s only “Into the Sun” or you have more?

I’m so bad with the titles. I don’t have all the titles in my head. You’re probably better informed than I am. But the one I was just talking about, that we turned out to give it that rise and fall spirit. It’s a song from Weikath. “Savior of the World” turned out to be nice, it was also a song where I wasn’t so sure in the beginning but when we did it, it kind of worked out. I also think “Monsters” from Kai is different too. It has a different vibe somehow. I thought that was interesting. I haven’t really checked it out again since we did it, I gotta do that. I’m sure that by playing some of the songs live, other songs will turn out as favorites. Live is always a different kind of thing. Songs evolve and they evolve. Some songs don’t even work live well, so you kick them out again. And then others become really cool live. They just develop a life of their own.

And there are moments in the album where all of you three, Andi, you and Kai are singing.
What is it like sharing the microphone with them after so many years?

It’s great. It’s much easier especially live. Just from the working thing, you just have to sing the whole time. You have others taking over. You can take breaks and stuff. It’s amazing. Of course, before we did this, I never would have thought about anything like that. You’re used to having one singer or maybe with bands like Kiss or Linkin Park, they always had two singers. But Helloween was always one singer over all those years. And that just changed. And now we have all of them there. Everybody who ever sang in this band is in the band now. And that gives you a lot of possibilities. It is only great. You don’t have to sing that much. If one singer gets sick, you can move songs around. You can say, okay, we’ll replace this with this. And then you sing that one so when you’re not well, you just sing less. And you can still make a show but also, it gives you so many possibilities. You can just move things around. You can check out whoever shines the best on what part or whatever. It really is nice and you can have a lot of surprises in life too. You don’t have to stick to the original plan. We might even do things like that. I suddenly sing a classic of Andy or Kai sings a classic of me. You know what I mean? We can switch things around and keep it interesting and to have a bigger show with more singers. It’s also live more entertaining because you can just do more than just with one singer. It’s just more colorful. Like with Avantasia: having that many singers. It makes it like a big opera.

And Weikath said in a statement that the friction between members is actually a creative force.
Do you agree?

It’s actually a creative force. The thing is we are so different. Everybody is so different. That is almost a miracle that it works. I think it has to do with our age that we kind of are able to deal with people being very different. But it makes it very interesting because the other person comes up with a thought. An idea that you wouldn’t have. All the time. Not just musically, also just when you sit together and you discuss something or you just fool around. Everybody has a completely different sense of humor and you’re always kind of excited. It’s interesting. It’s much more interesting than if you sit together with seven people where everybody is exactly the same. When everybody is very different, it just makes it much more entertaining. Yes, it sometimes can be tense, easy to have tensions. But it’s not necessarily negative to have tensions. As you know, a battery works when you have plus and minus. When you have the opposite forces going on, it creates energy.

And what has been the biggest lesson you’ve learned from working closely with Andi and Kai again?

That ego is not as important as working together on something. It’s a great thing when you are able to take the ego aside and just be working on the music. And all that matters is the song. Whatever works with the song. In general, I have to say that this Pumpkins United thing was very healing because we had very difficult times in the 90s, in the early 90s and stuff like that, and to be able, after all these years, to make peace, to get the shit done, talk it all out and then do something together. And it even works better than ever before. It’s amazing, it really is amazing. I think it’s a proof that humanity or heart is more important than everything else. When you do something with your heart, it leads to something good. And it’s a brilliant story. It’s unbelievable. A number of years ago, I would never have thought that I would ever be in this band again. I was disappointed and hurt. There was a time when I didn’t want to have anything to do with the metal and music scene in general. And it’s amazing that we are doing this together now and how well we are doing this together and how much we get along and how the audience responds to it. It’s pretty amazing. But I think there’s a big moral lesson in it because the fighting things that happened in the beginning, that’s all just ego. And now it’s much more hard. We have a lot more of the ability to let the other be, not trying to make anyone be like I am or they don’t try to make me be like they are. When you get older, when you grow, when you don’t stand still or move downwards, when you grow as a person, you tend to be able to let others be and actually appreciate differences, appreciate other strong personalities rather than being in a fight.

It’s kind of maturity that people get when you are aging.

It should be like that. It’s not with everybody but if you work on yourself and if these are things that you care about…what’s right, what’s wrong, having your heart grow. If that’s something that matters to you, you will grow when you get older, your soul gets bigger. There’s more space in it.

I totally agree… When you rejoined the band, did you feel pressure to meet fan expectations?

Before that I was already touring with Avantasia, I was touring with Unisonic so that pressure wasn’t there anymore. In those early days when I got back on the stage for the first time, that was a lot of pressure. I did not know what to expect but when we did the Halloween thing, I did not have any expectations, to be honest, to me it was all about making peace. I wasn’t even thinking very ahead. We all made just contracts until the end of 2018 so the plan was to make one tour and let’s see what happens so if things didn’t turn out right, we could have stopped there without any problems. You wouldn’t be tied to any contracts or anything like that but it turned out so well that everybody wanted to continue and that’s what we did, the first record and stuff. But it was never, I mean, I tried not to have any expectations because I did not know. I did not know how people would react but after the first tour it was clear: that people were really positive about it, really excited about it. So that was. It wasn’t in the beginning that I started to go on a stage again, with Avantasia I was a lot more nervous than when we did the Pumpkins United.

And you’re about to celebrate 40 years of Helloween on tour. What can fans expect from the anniversary shows? Any surprises?

We’re working on playing some material that we’ve either never played or haven’t played for ages. I mean not all of it. There are certain songs we just have to play, otherwise people will be disappointed but we will sneak in a few new ones. We will also have a completely new stage set which I have only seen on the computer. It looked great on the computer. Now we’re trying to make a special show, we always try to do that, with every tour you’re trying to do something but we’re focusing on sorting out material that we haven’t played and also learning more than we’re playing in the normal set so that we can also swap things like when it happens that we play twice. For instance, lwe sold out a big place in Spain and so they booked a second day so that you can have a slightly different set so you swap a few songs and things like that. And I hope we do that because the guitar players are always very lazy and they have to learn this shit, the hardest work. I mean the complete hardest working men in this band are Daniel and Sascha. Those are the workers, they do all the hard work and they take the other guitar players by the hand and show them how to do their stuff. For the singers it’s always easier to learn to sing a song. It’s not as difficult to learn how to play guitar and stuff like that. It’s pretty complex guitar stuff so they always have to practice a lot more and usually at the end phase of the rehearsals the singers come in. That’s a good part of being a singer. It’s easier to learn the song. On the other hand, you have the bad cards when you get sick. The guitar players when they get sick they can still play. The singers are struggling when you catch something that’s the downside of it. Everything has its ups and downsides.
It will depend on how far they are going to get with the new material how quickly and how good they learn songs that they haven’t played ever or for ages. I hope they get it done. I’d love to play a whole bunch of new songs or different songs.

Your voice sounds powerful in this album. Do you do anything differently now to protect or to train the voice compared to the early days of your career?

I don’t know. When you get older, you do have to prepare a little more. That’s basically just the physical conditions. You have to, you have to be active. You have to do some sports. When I was in my teenage years, I didn’t have to do anything. I could have been half a year at home, I would just go to the rehearsal room, I wouldn’t even think about it. When you are young, everything is easier. Nowadays I have to train before we do the first rehearsals with the singers. I usually sing four or five weeks before, at least every second day increasingly, just to get the lung power and the diaphragm needs to be trained and stuff. That’s different also that’s pretty much it. You have to train a little more because the body gets older. That’s just the way it is, other than that I think I have learned even more. I think I have more abilities today, how to approach a song and because it’s a very mental thing. When you are living spiritually, you get mentally stronger. When you are not living, as a materialist who doesn’t care about any higher causes in life, when it doesn’t matter to you to use your time fruitfully, use your abilities, your mind, your heart, your energy for something constructive… You don’t do that, you just degenerate and you can see that. I have people in my surroundings that I know since childhood. And you can see those who don’t care, they degenerate. They become even dumb, they lose intelligence, they become lazy and decadent. You can see them going down but those who don’t grow. You can grow, mentally grow. The body goes down but it doesn’t need to have an effect on your mind and on your soul and on your heart and that reflects in what you do so it’s like when you are a guitar player this will reflect in your playing. And a singer, this will also reflect in your singing. You just develop as a person and this will always add to the emotions. It will always add to the way you perform. This is something you can’t really learn. It comes with life. It’s something you just naturally give into it. This is why you can’t really learn to be a great singer. You can learn how to sing, you can learn how to sing in tune but if you connect with people, if people feel you this is something you can’t even describe why it is. Some singers completely move you and others don’t. They can sing well and you say yeah great, but it doesn’t get you. Again it’s a spiritual thing!

An emotional connection, empathy and everything...

Exactly, you got it!

Helloween now has fans across four generations, how does it feel to see young kids singing songs you wrote decades ago?

Yeah, it’s pretty amazing, but that’s the experience you can have when you’ve been around for a long time. I mean, you can probably ask any kind of band that is still somehow appealing to younger generations, not every band has that. Many bands who have been big in the 80s, they just take their fans with themselves and those fans go to the gigs when they play again. With hard rock and metal, it always attracts younger ones, so it’s like, I mean, it differs a little in the countries, in some countries more and others less. In Germany you do see young ones, but not as many as in South America or South Europe, but especially South America you have a lot of young ones, more I would even say than our age. Yeah, it’s pretty amazing and I think it has to do with… if your music, what you do is just fashion, it grows old and it comes out of fashion and then no one cares anymore, but if it’s kind of timeless a little, it just lingers on and it can still attract people. We were never fashion, you know, Helloween was never like, to me fashion. A band like Iron Maiden is still around because they were never fashion, they made their own niche, they made their own kind of brand, so they can still do it and they were never depending on fashion. To me Nirvana was a fashion, I know that they’re very admired and everything, I never cared much for them. I like Cobain, I like his honesty and I like his try to stay honest, he struggles and he failed in the end, if you ask me, but he was honest and he was trying to stay free, which was difficult, especially when you become that big, but that was fashion, they called it grunge, it was there, nothing else mattered and then it disappeared again, but the other bands that were kind of in the background during that time, they came back and they came back big, no one talks about grunge anymore, but you have your Metallica, you have your Helloween, you have your Iron Maiden, you still have your Judas Priest, you know what I mean, it was not so much fashion, bands create their own kind of brand, so to speak, they usually linger on and then you can have the situation that young ones come to your gig and it’s always bad when you’re just fashion or when you’re like a one-hit wonder, it’s a nightmare for any musician to have a hit and that’s all they want from you, that one song.

That was our last question, thank you so much for your time, it was a pleasure to have a chat with you! Is there anything you would like to say to Helloween fans, your fans or Heavywords readers?

Yeah, I mean, I don’t want to bubble the usual stuff, but it’s like I really look forward to these coming shows because we have been taking a long break, two years are too long, it’s too long, a year is good, a year is nice, but two years, I thought it was too long, I know we made a record and all that, but I’m happy that we’re playing again, I’m really looking forward to that, it’s going to be fun, the band is in a very good state, you never know how long this is going to last and at the moment we are strong, we’re capable of doing our shit and it’s going to be a good show, so people should show up.

[ITA] Buonasera Michael Kiske! Come stai?

Sto bene, e tu? Dove ti trovi?

Sono in Italia. Fa davvero caldo qui, mi sto praticamente sciogliendo (ride ndr).

Ah, non sei troppo lontano. Da noi due giorni fa è stato lo stesso, tipo 38 gradi. Credo sia stato così un po’ in tutta Europa, ma adesso dove sono io si è rinfrescato: siamo sui 22-23 gradi. Molto meglio.

Wow! Qui oggi siamo intorno ai 38°C, e ieri addirittura 40°C.

È davvero troppo.

Eh sì! Possiamo iniziare: benvenuto su Heavyworlds.com, è un piacere riaverti con noi. Come stai e come stanno andando questi giorni di promozione?

Beh, io amo parlare, comunicare. È una cosa che mi viene naturale, quindi sto facendo interviste… ma non lo considero davvero “promozione”. Quasi non parlo del disco o cose del genere, dipende ovviamente dalle domande. Però sì, mi piace. Ho sempre apprezzato fare interviste. Credo abbia a che fare anche con la scena musicale: le persone che vogliono intervistarti di solito sono davvero interessate, entusiaste di quello che stai facendo. È raro trovarsi davanti a qualcuno che deve solo “fare l’intervista” senza nemmeno sapere chi sei. Ogni tanto succede, magari con un giornale o simili, ma in genere le persone sono molto coinvolte e diventa facile avere una bella conversazione.

Parlando del vostro nuovo album Giants & Monsters, in uscita ad agosto, si tratta di un titolo molto potente. Cosa significa per te personalmente e in che modo riflette, secondo te, il messaggio o l’energia del disco?

In realtà le canzoni sono venute fuori da sole. Lo scrittore scrive il brano e poi prende una certa direzione. Alla fine non è detto che abbia molto a che fare con il titolo. Poi arriva il momento in cui devi pensare a come chiamare il disco. Avevamo vari titoli che potevano andare bene, alcuni che magari avrei anche preferito. Però a Kai piaceva Monsters: voleva si chiamasse solo così, ma non in senso cupo, piuttosto in modo divertente. Quella era l’idea di partenza. Ma per tutti gli altri era troppo poco. Alla fine siamo arrivati a “Giants and Monsters“, perché ci sembrava che offrisse più possibilità.

Alla fine anche la copertina è diventata quasi un’opera d’arte astratta. Non abbiamo fatto nulla di ciò che avevamo immaginato all’inizio. Abbiamo dato l’idea a qualche artista, che ci ha proposto dei concept di copertina, e in qualche modo siamo finiti su quella. Ci piaceva perché permetteva di giocarci molto, sia a livello visivo che concettuale. È anche un titolo piuttosto aperto: può significare tante cose. La dinamica tra una persona comune e i “Mostri e Giganti” potrebbe essere, ad esempio, le grandi aziende che schiacciano tutti. Un Gigante può rappresentare un ostacolo da superare nella vita, come una montagna enorme che devi scalare. Può essere un Mostro o un Gigante, capisci cosa intendo? Non ha un significato preciso: ci piaceva la forza che trasmetteva.

E guardando ora la copertina, con quell’uomo-zucca che combatte figure demoniache… per me rappresenta quello che ho sempre voluto vedere: una band positiva e idealista, non una di quelle oscure e sataniche. E credo che la cover lo mostri bene. È quasi come se la band stesse combattendo contro i propri demoni, o qualcosa del genere.

Poi, se si leggono i testi delle canzoni, anche se non era previsto, quasi tutti toccano temi spirituali. Non è che ci fossimo messi d’accordo prima dicendo “ok, scriviamo su questo”. È venuto fuori in modo naturale, e funziona. Ce ne siamo accorti solo durante le prime interviste fatte insieme: abbiamo notato che c’è quasi un filo rosso che lega i testi. Ed è probabilmente il segno che in questo momento la band è molto organica, unita, e che siamo tutti nello stesso spirito.

E l’opener “Giants On The Run” esplode subito con energia. Qual è stata la tua reazione la prima volta che l’hai sentita finita?

Quale?

La prima, l’opener del disco.

Qual è l’opener?

“Giants On The Run“.

“Giants On The Run“… sì, beh, a dire la verità sono rimasto sorpreso un po’ da tutti i brani. Non ascolto l’album per intero da un po’, l’ho seguito più che altro canzone per canzone mentre ci stavamo lavorando. Ma in generale ero molto soddisfatto del materiale che è venuto fuori. Non abbiamo avuto problemi di creatività, anzi: avevamo fin troppi pezzi. È come se il prossimo disco fosse già scritto, i brani ci sono già. E quelli che sono finiti su questo album sono solo una parte.

C’erano diversi pezzi che mi entusiasmavano. Non credo di aver cantato sulla prima, quindi non ce l’ho così in mente. Però ci sono state alcune canzoni che, nelle prime versioni grezze, non capivamo bene se avrebbero funzionato, specialmente alcune di Weikath. Non eravamo sicuri… e invece in produzione sono diventate molto più forti di quanto immaginassimo. È successo più volte. Ci sono pezzi che restano esattamente quello che pensavi: hai la demo, pensi “è una bella canzone”, la produci e resta quella. Nessuna sorpresa. Ma poi ci sono altre che non ti aspettavi così buone, magari pensavi sarebbero finite come B-side o bonus track, e invece diventano davvero forti. E quella è una bella emozione. È capitato con parecchi brani.

La tua voce in “Into the Sun” è incredibilmente intensa ed emotiva. Come hai affrontato questo duetto e cosa lo ha reso speciale per te?

Quella è stata una delle mie preferite fin dall’inizio. Il brano era già pronto per il disco precedente. Lo avevamo registrato, ma poi avevano cambiato parecchio: anche la tonalità, che era stata abbassata, e non suonava bene come la versione originale. Così siamo tornati alla tonalità iniziale. Anche i testi sono stati un po’ adattati per funzionare meglio come duetto, perché l’idea era proprio quella. Ed era già una delle mie canzoni preferite.

La registrazione in realtà non è stata troppo difficile. Con “Universe” ho impiegato più tempo prima di esserne soddisfatto, ma “Into the Sun” mi è sempre piaciuta. E quando ami un brano, di solito riesci a cantarlo subito con naturalezza, perché ci entri in sintonia. Con altri invece ci vuole più tempo per farli davvero tuoi. Anche a livello di testi ha un approccio molto spirituale, molto potente. Mi piace tantissimo.

Anch’io lo penso. Ho sentito molto l’aspetto emotivo del pezzo. Ti dirò, ho amato la tua voce proprio nel modo in cui trasmette questa emozione.

Grazie! È un brano molto forte, ed è fantastico che lo abbiamo ripreso. Non era finito sul disco precedente, ma su questo sì. In realtà ne abbiamo registrate tre versioni: una tutta con la mia voce, una tutta con Andi e poi questo duetto. Sono sicuro che anche le altre versioni verranno pubblicate da qualche parte, magari come singolo.

Parlando delle altre canzoni, ci sono stati brani particolarmente impegnativi da registrare o da interpretare vocalmente? Hai menzionato “Universe”, per esempio.

Sì, quella mi ha richiesto un po’ più di tempo, perché quando hai una canzone come “Eagle Fly Free“, ad esempio, hai una melodia molto forte. Quindi funziona comunque: che tu la canti in un modo o in un altro, resta efficace. Invece “Universe” è quasi come un quadro grezzo. La melodia è un po’ statica, quindi ci ho messo parecchio a capirla. Credo di averla registrata tre volte prima di esserne soddisfatto. Dovevo, non so, abituarmi. Il produttore era contento già molto prima di me. Io ero più critico di lui. Ma succede: certe canzoni hanno bisogno di più produzione, di più cura, di un po’ di tempo per entrare davvero nella loro forma.

Poi c’è stato un altro brano di Weikath, non ricordo nemmeno il titolo, non ho più riascoltato l’album da allora, in cui mi è venuto in mente che servisse quasi un tono ironico, una vena di comicità. Dovevo farlo in maniera diversa. Così ho iniziato a esagerare, a pronunciare troppo, a spingere oltre, e a quel punto ha funzionato. Alcune canzoni hanno semplicemente bisogno di un tocco teatrale in più. Grazie a quello il pezzo ha acquisito uno spirito fatto di salite e discese, ed era esattamente quello che serviva.

E poi non c’era nessuna pressione. Io stavo a Tenerife per registrare le voci, ci sono rimasto due mesi e mezzo. Cantavo solo quando ne avevo voglia. Passavo molte giornate al sole, senza fretta, senza ansia. E credo che sia il modo migliore, perché devi catturare il momento giusto.

E hai un brano preferito di “Giants & Monsters”, per motivi musicali o emotivi? Solo “Into the Sun” o ce ne sono altri?

Sono pessimo con i titoli, non li ho tutti in mente… probabilmente tu sei più informato di me (ride). Però la canzone di cui parlavo prima, quella a cui abbiamo dato quello spirito un po’ teatrale, di salite e discese, è uno dei casi riusciti. Poi “Savior of the World” è venuta bene: all’inizio non ero così convinto, ma una volta registrata ha funzionato. Anche “Monsters“, il pezzo di Kai, ha un’atmosfera diversa, e l’ho trovato interessante.

Non le ho più riascoltate da allora, dovrei farlo. Ma sono sicuro che quando porteremo i pezzi dal vivo emergeranno altri preferiti. Dal vivo è sempre tutta un’altra cosa: le canzoni si evolvono, prendono vita propria. Alcune non funzionano e finiscono fuori scaletta, mentre altre diventano davvero forti sul palco.

E ci sono momenti nell’album in cui cantate tutti e tre, tu, Andi e Kai. Com’è condividere il microfono con loro dopo così tanti anni?

È fantastico. È molto più semplice, soprattutto dal vivo. Prima dovevi cantare praticamente per tutto il tempo, ora invece puoi avere gli altri che si alternano e puoi anche prenderti delle pause. È incredibile. Prima che accadesse non ci avrei mai pensato, ero abituato all’idea di una band con un solo cantante. Certo, ci sono stati gruppi come i Kiss o i Linkin Park che hanno sempre avuto due voci, ma con gli Helloween per tutti quegli anni c’era sempre e solo un cantante. Ora invece ci siamo tutti. Tutti quelli che hanno mai cantato negli Helloween fanno parte della band, e questo apre a tantissime possibilità.

È solo una cosa positiva: non devi cantare tutto da solo, se uno non sta bene puoi riorganizzare i pezzi, spostarli, farli cantare a un altro. Lo show può continuare senza problemi. Ma soprattutto puoi giocare molto di più con la scaletta. Puoi vedere chi rende meglio su una parte, scambiarsi i pezzi, sorprendere il pubblico. Magari io canto un classico di Andi o Kai canta un mio brano storico. Si possono cambiare le cose, renderle più interessanti e costruire uno spettacolo più grande e colorato. Dal vivo diventa anche più divertente, perché puoi fare molto di più rispetto a quando c’è un solo cantante. È più vario, più “teatrale”. Un po’ come succede con Avantasia: avere così tante voci rende tutto simile a una grande opera rock.

E Weikath ha detto in un’intervista che gli attriti tra i membri della band sono in realtà una forza creativa. Sei d’accordo?

Sì, è davvero una forza creativa. Il fatto è che siamo tutti molto diversi, ognuno ha una personalità completamente distinta. È quasi un miracolo che funzioni, ma credo che abbia a che fare anche con l’età: ora abbiamo la maturità per accettare e gestire le differenze. E rende tutto più interessante, perché gli altri tirano fuori idee a cui tu non avresti mai pensato. Succede continuamente, non solo musicalmente: anche quando ci sediamo insieme a parlare o semplicemente a scherzare. Ognuno ha un senso dell’umorismo diverso, prospettive diverse, e questo mantiene sempre viva l’attenzione.

È molto più stimolante che stare con sette persone tutte uguali. Certo, a volte può esserci tensione, ma non è detto che sia qualcosa di negativo. Anzi, un po’ di tensione può essere utile. Come in una batteria: hai il polo positivo e il negativo, ed è proprio dalla loro opposizione che nasce l’energia.

Qual è stata la lezione più importante che hai imparato lavorando di nuovo da vicino con Andi e Kai?

Che l’ego non conta tanto quanto lavorare insieme per qualcosa. È bellissimo quando riesci a mettere da parte l’ego e concentrarti solo sulla musica. L’unica cosa che conta davvero è la canzone. Qualsiasi cosa funzioni per il bene del brano.

In generale devo dire che questa avventura dei Pumpkins United è stata molto curativa, perché negli anni ’90, soprattutto all’inizio, ci sono stati momenti davvero difficili. E poter, dopo tutti questi anni, fare pace, chiarire tutto, parlare apertamente e poi creare di nuovo qualcosa insieme… e farlo addirittura meglio di prima, è incredibile. Lo è davvero. Credo sia la prova che l’umanità, il cuore, contano più di qualsiasi altra cosa. Quando fai qualcosa con il cuore, porta sempre a qualcosa di buono. È una storia bellissima.

Se me l’avessero detto anni fa, non avrei mai creduto di tornare in questa band. Ero deluso, ferito. C’è stato un periodo in cui non volevo più avere nulla a che fare né con il metal né con la scena musicale in generale. E invece ora siamo qui, lo stiamo facendo, lo stiamo facendo bene e ci troviamo davvero bene insieme. E vedere la risposta del pubblico è altrettanto straordinario.

Credo ci sia una grande lezione morale in tutto questo: i litigi di allora erano solo una questione di ego. Adesso invece c’è molta più maturità. Ognuno lascia essere l’altro per quello che è, senza pretendere che diventi come me o viceversa. Con l’età, se cresci come persona, impari ad apprezzare le differenze, a rispettare altre personalità forti invece di viverle come uno scontro.

È una forma di maturità che arriva con l’età.

Dovrebbe essere così. Non succede a tutti, ma se lavori su te stesso e ti importa davvero di ciò che è giusto o sbagliato, se ti interessa far crescere il cuore, allora cresci anche tu. Con gli anni la tua anima diventa più grande, ci sta dentro più spazio.

Quando sei rientrato nella band, hai sentito la pressione delle aspettative dei fan?

Prima di allora stavo già suonando dal vivo con Avantasia e con gli Unisonic, quindi quella pressione non c’era più. Nei primi tempi in cui sono tornato sul palco, sì, quella era una grande pressione: non sapevo davvero cosa aspettarmi. Ma quando abbiamo fatto la reunion di Pumpkins United, non avevo particolari aspettative. Per me si trattava solo di fare pace, non stavo pensando troppo avanti.

Avevamo firmato i contratti solo fino alla fine del 2018: l’idea era fare un tour e poi vedere come andava. Se non fosse andata bene, ci saremmo potuti fermare lì senza alcun problema. Non c’erano obblighi a lungo termine. Invece è andata talmente bene che tutti hanno voluto continuare, ed è nato anche il primo disco insieme. Ma non ho mai voluto avere troppe aspettative, perché non sapevo come il pubblico avrebbe reagito. Dopo il primo tour è stato chiaro: la gente era entusiasta, super positiva. Così è stato. In realtà ero molto più nervoso quando sono tornato sul palco con Avantasia che non con i Pumpkins United.

E ora state per celebrare i 40 anni degli Helloween in tour. Cosa possono aspettarsi i fan da questi concerti-anniversario? Ci saranno sorprese?

Stiamo lavorando su materiale che non abbiamo mai suonato dal vivo o che non tocchiamo da tantissimo tempo. Non sarà tutta la scaletta, perché ci sono brani che dobbiamo per forza suonare, altrimenti la gente rimarrebbe delusa. Però infileremo sicuramente alcune chicche nuove. Ci sarà anche un palco completamente rinnovato: io per ora l’ho visto solo al computer e sembrava bellissimo.

Cerchiamo sempre di rendere speciale ogni tour, e questa volta ci stiamo concentrando proprio sul rispolverare pezzi dimenticati. Inoltre stiamo imparando più brani di quanti ne suoniamo normalmente, così possiamo alternarli quando suoniamo due volte nello stesso posto. Ad esempio in Spagna abbiamo esaurito i biglietti di una data e hanno aggiunto un secondo show: in casi così puoi cambiare qualche pezzo, avere una scaletta leggermente diversa.

Io lo spero, anche se i chitarristi sono sempre pigri (ride). In realtà i più grandi lavoratori della band sono Daniel e Sascha: si fanno un mazzo incredibile e portano praticamente per mano gli altri due chitarristi. Per i cantanti è più facile: imparare un brano da cantare è meno complesso che imparare tutte le parti di chitarra. Però dall’altra parte noi abbiamo lo svantaggio che se ci ammaliamo lo show è a rischio. I chitarristi anche se hanno l’influenza possono suonare, i cantanti no. Tutto ha pro e contro.

Comunque molto dipenderà da quanto in fretta riusciremo a riprendere i pezzi che non suoniamo da anni. Io spero davvero di poter portare dal vivo un bel po’ di canzoni nuove o comunque diverse.

La tua voce in questo album suona potente. Fai qualcosa di diverso oggi per proteggere o allenare la voce rispetto agli inizi della tua carriera?

Non lo so. Quando invecchi devi prepararti un po’ di più, è soprattutto una questione fisica. Devi rimanere attivo, fare un po’ di sport. Quando ero adolescente non serviva: potevo stare a casa sei mesi senza cantare, andare in sala prove e mi veniva naturale. Da giovane è tutto più facile.

Oggi invece devo allenarmi prima delle prime prove: di solito inizio a cantare quattro o cinque settimane prima, almeno a giorni alterni, aumentando gradualmente, per rinforzare i polmoni e il diaframma. È questa la differenza: devi prepararti di più, perché il corpo invecchia. Ma allo stesso tempo credo di avere oggi molte più capacità. So approcciare meglio un brano. È un fatto mentale: se vivi in modo spirituale, diventi mentalmente più forte.

Se invece vivi da materialista, senza pensare a niente di più grande, senza dare un senso al tuo tempo e alle tue energie, allora ti degradi. Conosco persone che frequento da quando ero ragazzo e si vede: chi non si cura, decade, diventa pigro, perfino meno intelligente. Ma se cresci come persona, se maturi mentalmente, questo si riflette in quello che fai.

Vale per un chitarrista, che suonerà in modo più espressivo, e vale per un cantante: la crescita personale si sente nella voce, nelle emozioni che trasmetti. Sono cose che non puoi imparare tecnicamente. Puoi imparare a intonare, certo, ma il vero contatto con la gente, quella capacità di toccare chi ti ascolta, quella non si impara: arriva dalla vita, dall’esperienza che riversi naturalmente nel canto. Ed è per questo che certi cantanti ti emozionano profondamente e altri no. Possono cantare bene e dici “sì, ottimo”, ma non ti arriva niente. Di nuovo, è una questione spirituale!

Una connessione emotiva, empatia e tutto il resto…

Esatto, hai capito!

Gli Helloween oggi hanno fan che coprono quattro generazioni: che effetto fa vedere ragazzini cantare canzoni che hai scritto decenni fa?

Eh, è davvero incredibile, ma è l’esperienza che puoi fare quando sei in giro da così tanto tempo. Probabilmente lo potresti chiedere a qualsiasi band che riesce ancora a coinvolgere le nuove generazioni, non tutte ci riescono. Molti gruppi che sono stati grandi negli anni ’80 si portano dietro solo i fan storici, quelli che li seguivano allora e che continuano ad andare ai concerti quando si riformano.

Con l’hard rock e il metal invece è diverso: attirano sempre anche i giovani. Poi dipende dai paesi: in Germania sì, ne vedi, ma non tanti quanti in Sud America o nel Sud Europa. In Sud America soprattutto: lì ci sono tantissimi giovani, forse persino più di quelli della nostra età. È fantastico.

Credo che c’entri anche il fatto che… se la tua musica è solo “moda”, invecchia e passa di moda, e a un certo punto non interessa più a nessuno. Ma se ha qualcosa di senza tempo, resta, continua ad attrarre. Noi non siamo mai stati moda. Band come gli Iron Maiden sono ancora qui perché non sono mai stati moda: si sono creati una loro nicchia, un loro marchio, e così possono continuare. Non hanno mai dipeso dalle mode.

Per me i Nirvana, ad esempio, erano una moda. Lo so che sono molto ammirati e tutto il resto, ma non mi hanno mai interessato molto. Mi piaceva Cobain, mi piaceva la sua onestà e il suo tentativo di restare autentico, anche se alla fine, secondo me, ha fallito. Ma era onesto, cercava di restare libero, e non era facile quando diventi così famoso. Però quello era moda: lo chiamavano grunge, per un periodo era tutto, poi è sparito. Le altre band che in quel periodo erano più nell’ombra sono tornate, e sono tornate alla grande. Oggi nessuno parla più di grunge, ma Metallica ci sono ancora, Helloween ci sono ancora, gli Iron Maiden, i Judas Priest… capisci cosa intendo? Non era moda, erano band che hanno creato un proprio marchio, e quelle resistono nel tempo.

Ed è così che ti ritrovi con i ragazzini ai concerti che cantano le tue canzoni. È sempre un brutto segno invece quando sei solo “moda” o, peggio ancora, una meteora da un singolo successo: quello è un incubo per qualsiasi musicista, un hit e basta, e da te vogliono solo quella, quell’unica canzone.

Questa era la nostra ultima domanda, grazie mille per il tuo tempo, è stato un piacere chiacchierare con te! Vuoi dire qualcosa ai fan degli Helloween, ai tuoi fan o ai lettori di Heavywords?

Sì, cioè, non voglio dire le solite frasi fatte, ma davvero non vedo l’ora di tornare a fare questi concerti, perché ci siamo fermati troppo a lungo: due anni sono troppi. Un anno va bene, un anno è giusto, ma due anni sono stati eccessivi. Ok, abbiamo fatto un disco e tutto quanto, ma sono felice che torniamo a suonare, non vedo l’ora, sarà divertente. La band in questo momento è in ottima forma, e non si sa mai quanto durerà, ma al momento siamo forti, siamo capaci di fare il nostro lavoro e sarà un grande show. Quindi la gente deve venire.