Heavy music has always thrived on tension, between rage and vulnerability, destruction and renewal, chaos and clarity. Few records embody that duality as vividly as This Bitter Garden, the latest release from [Band Name]. Written and recorded under relentless pressure, inside a repurposed church over 15 sleepless days, the album feels less like a collection of songs and more like an unflinching confrontation with betrayal, decay, and survival. We sat down with the band to talk about building beauty from collapse, pushing themselves to the edge, and finding meaning in bitter soil.
[ENG]
- Hello and welcome on Heavyworlds.com, it’s a pleasure to have you here. “This Bitter Garden” balances extreme aggression with moments of real vulnerability, both sonically and lyrically. When you’re building a record that holds that much emotional weight, how do you decide where to lean into chaos and where to allow space for clarity or silence, and is that balance something you’re still learning to navigate as a band?
Thank you for having us. That balance is something we’re still trying to understand, because it’s not something you master, it’s something you wrestle with. Chaos and clarity don’t exist in opposition; they live inside each other. The silence doesn’t always bring peace, sometimes it amplifies the scream. When we write, we’re not asking ourselves, “Should this part be violent or gentle?” We’re asking: “What does this part need to feel like?” And sometimes clarity means letting it all fall apart.
- You’ve talked about the record as a reflection on what happens when a place that’s supposed to nourish you turns toxic. That’s a powerful and intimate metaphor, was that idea rooted more in personal experience, or did it come from watching the world around you fall into cycles of harm? Or maybe both?
Both. I think it has to be both, or else the record becomes a diary instead of a mirror. We’ve all felt the betrayal of something that was supposed to protect us, family, institutions, even art scenes. But we’ve also seen it systemically. Communities that were meant to hold us are rotting. And the rot spreads. “This Bitter Garden” is a place you keep watering, even after it poisons you.
- Hayden, your lyricism often walks this tightrope between being poetic and being brutally direc, there’s no hiding behind abstraction. When you’re writing something like “Davenport” or “Flowers for the Worst of Them,” do you think more about catharsis for yourself, or about how the listener might receive and interpret that rawness?
Catharsis first. Always. If I’m not being honest with myself, then there’s nothing to interpret anyway. But I think there’s power in not softening the blow, because if I can say something out loud that someone else has been afraid to, maybe they’ll feel less alone. I don’t write for comfort. I write to rupture the silence.
- There’s this sense that “This Bitter Garden” is not just a musical evolution but a psychological one too. Was making this record healing, or did it feel more like a confrontation, a painful excavation rather than a resolution?
Confrontation. Making this record felt like holding your own face up to a mirror and not looking away. There were no soft landings. But healing doesn’t always look like light pouring in, it can look like cauterizing a wound. “This Bitter Garden” isn’t about resolution. It’s about naming the thing that hurt you without flinching.
- Many bands evolve, but not all of them expand with intention. You’ve said this record is an “expansion” of what came before, can you talk about what you consciously wanted to keep, discard, and rebuild from the “In Spite Of” era, both musically and ideologically?
From “In Spite Of,” we kept the rage. But we stripped away the armor. The new material is rawer, but it’s also more layered, emotionally and sonically. We wanted to get outside of just being loud. We wanted to interrogate where that volume comes from. Ideologically, we’ve always been anti-cynicism. That hasn’t changed. But now, we’re more direct in how we confront harm and power, less abstract, more actionable.
- The fact that you tracked the album in just 15 days, often from 10 a.m. to 4 a.m., inside a repurposed church feels almost mythic. Did the exhaustion and weird isolation become a creative asset, or did it ever threaten to derail the process? And how did the space itself imprint on the album’s tone?
It was both a crucible and a sanctuary. We were on the edge constantly, mentally, physically, but that edge sharpened the music. The space felt haunted in the best way. There’s a resonance in those walls that you can’t replicate. Being surrounded by stained glass while screaming your guts out at 3 a.m., you can’t fake that kind of atmosphere.
- You’ve said that each member of the band brought their full voice to this album in a way that hadn’t happened before. How do you maintain creative trust when everyone’s pulling from such emotionally loaded and stylistically diverse places? Did conflict ever lead to breakthroughs in unexpected ways?
Always. You have to let the friction do its work. If everyone’s agreeing all the time, you’re probably not pushing hard enough. We came in with open wounds and hard truths. But the trust is built on the fact that we want to challenge each other. Every scream, every riff, every idea went through the fire. What survived deserved to.
- In “Gaia Wept,” you tackle ecological collapse through the lens of straight edge ethics and visual rage. It’s rare to see environmental themes treated this aggressively in heavy music, what responsibility do you think artists have, if any, to engage with the world beyond just their personal trauma?
If you’re not engaging with the world beyond yourself, you’re not making art, you’re journaling. That doesn’t mean every artist has to be political, but it does mean you have to care. We’re watching the planet get gutted. “Gaia Wept” is us screaming back. If straight edge is about refusal, then let’s refuse complicity too.
- Thematically, the album keeps circling back to questions of decay, betrayal, and lingering resentment. As artists, how do you process those feelings without letting them consume you creatively? Do you find yourselves able to leave that darkness in the studio, or does it follow you out into the rest of your life?
It follows you. Of course it does. But making the record gave that darkness a home. A contained space. When we were done, it didn’t go away, but it had somewhere to live that wasn’t inside us. That’s all art can do sometimes: build a cage for the thing you can’t kill.
- The narrative arc of the album feels very intentional, almost like a film in how it progresses. Was there a story you were trying to tell, even loosely? If so, who is the protagonist of “This Bitter Garden”, and do they make it out by the end?
The protagonist is whoever listens and recognizes themselves in it. It’s not one voice, it’s a chorus of collapse. Do they make it out? I don’t know. But they make it through. And that’s enough.
- The closing track, “Hostel Elysia,” feels almost spiritual in its intensity, like everything that came before is collapsing into this one emotional exhale. What did that track mean to you when you finished it, and how did you know it was the right ending, not just sonically, but emotionally, for the record?
That song broke us open. It’s the sound of letting go, not in peace, but in surrender. We knew it had to end there because there was nowhere else to go after. It’s not closure, it’s collapse. And sometimes that’s the truest ending you can give.
- You’ve talked about almost breaking the band to get this album made, both from external industry pressure and internal dynamics. Looking back now, was it worth it? And if so, what did you learn about yourselves, individually and collectively, that made it through the fire with you?
It was worth it because it was honest. We lost a lot of illusions in the process, about ourselves, about the industry, about what we thought being in a band was supposed to be. What made it through the fire was something uglier, but truer. And that’s a kind of beauty we can live with.
- That was our last question. Thank you for your time. Is there anything you would like to say to your fans or Heavyworlds readers?
Thank you for letting us be heard. If this record feels like your story too, like something rotten you had to walk away from, or something sacred you’re still trying to hold onto, we see you. Keep growing, even in bitter soil.
- [ITA] Ciao e benvenuta su Heavyworlds.com, è un piacere averti qui. “This Bitter Garden” bilancia un’aggressività estrema con momenti di vera vulnerabilità, sia a livello sonoro che nei testi. Quando costruite un disco con un peso emotivo così forte, come decidete quando spingere verso il caos e quando invece lasciare spazio alla chiarezza o al silenzio? E questo equilibrio è qualcosa che come band state ancora imparando a gestire?
Grazie a voi per averci invitato. Sì, quell’equilibrio è qualcosa che stiamo ancora cercando di capire, perché non è qualcosa che “si impara e basta”, è piuttosto una lotta continua. Caos e chiarezza non sono opposti: convivono l’uno dentro l’altro. Il silenzio non porta sempre pace, a volte amplifica l’urlo. Quando scriviamo non ci chiediamo: “Questa parte dev’essere violenta o delicata?” Ci chiediamo piuttosto: “Che cosa deve far sentire questa parte?” E a volte la chiarezza significa proprio lasciare che tutto crolli.
- Avete parlato del disco come di una riflessione su cosa succede quando un luogo che dovrebbe nutrirti diventa tossico. È una metafora potente e intima: quell’idea nasce più da esperienze personali o dall’osservazione del mondo intorno a voi che cade in cicli di danno? O forse entrambe le cose?
Entrambe. Credo che debba per forza essere entrambe, altrimenti il disco diventerebbe un diario invece che uno specchio. Tutti noi abbiamo sentito il tradimento di qualcosa che avrebbe dovuto proteggerci: la famiglia, le istituzioni, persino certe scene artistiche. Ma lo vediamo anche a livello sistemico. Comunità che avrebbero dovuto sostenerci stanno marcendo. E la marcescenza si diffonde. “This Bitter Garden” è un giardino che continui ad annaffiare, anche se ti avvelena.
- I vostri testi camminano spesso su un filo sottile tra il poetico e il brutalmente diretto, senza nasconderti dietro l’astrazione. Quando scrivete brani come “Davenport” o “Flowers for the Worst of Them”, pensate di più alla vostra catarsi personale o a come l’ascoltatore potrebbe ricevere e interpretare quella crudezza?
Prima di tutto la catarsi. Sempre. Se non sono onesta con me stessa, allora non c’è nulla da interpretare comunque. Ma credo ci sia forza nel non addolcire il colpo, perché se riesco a dire ad alta voce qualcosa che qualcun altro ha avuto paura di dire, forse si sentirà meno solo. Non scrivo per dare conforto. Scrivo per squarciare il silenzio.
- C’è questa sensazione che “This Bitter Garden” non sia solo un’evoluzione musicale, ma anche psicologica. Realizzare questo disco è stato un processo di guarigione, o più una resa dei conti, uno scavo doloroso piuttosto che una risoluzione?
Una resa dei conti. Fare questo disco è stato come tenerti la faccia davanti a uno specchio e non distogliere lo sguardo. Non ci sono stati atterraggi morbidi. Ma la guarigione non sempre assomiglia alla luce che entra: a volte assomiglia a cauterizzare una ferita. “This Bitter Garden” non parla di risoluzione. Parla di dare un nome a ciò che ti ha ferito, senza battere ciglio.
- Molte band evolvono, ma non tutte lo fanno con intenzione. Avete detto che questo disco è un’“espansione” di ciò che c’era prima: puoi parlarci di cosa avete voluto consapevolmente mantenere, scartare e ricostruire dell’era di “In Spite Of”, sia musicalmente che a livello ideologico?
Di “In Spite Of” abbiamo tenuto la rabbia. Ma ci siamo tolti l’armatura. Il nuovo materiale è più crudo, ma anche più stratificato, sia emotivamente che sonoramente. Non volevamo limitarci a “fare rumore”. Volevamo indagare da dove nasce quel volume. A livello ideologico siamo sempre stati anti-cinici. Questo non è cambiato. Ma ora siamo più diretti nell’affrontare il dolore e il potere: meno astratti, più concreti.
- Il fatto che abbiate registrato l’album in soli 15 giorni, spesso dalle 10 del mattino alle 4 del mattino successivo, all’interno di una chiesa riconvertita, ha quasi dell’epico. Quella stanchezza e quell’isolamento surreale sono diventati una risorsa creativa o hanno mai rischiato di mandare tutto fuori rotta? E in che modo lo spazio stesso ha inciso sul tono del disco?
È stato sia un crogiolo che un rifugio. Eravamo costantemente al limite, mentalmente e fisicamente, ma quel limite ha affinato la musica. Lo spazio sembrava infestato, nel miglior senso possibile. C’è una risonanza in quelle mura che non puoi replicare altrove. Essere circondati da vetrate colorate mentre urli finché non hai più voce alle tre di notte… non puoi fingere un’atmosfera del genere.
- Avete detto che ogni membro della band ha portato la sua voce pienamente in questo album, cosa che non era mai successa prima. Come mantenete la fiducia creativa quando ognuno attinge da luoghi così carichi emotivamente e stilisticamente diversi? I conflitti hanno mai portato a svolte inaspettate?
Sempre. Devi lasciare che l’attrito faccia il suo lavoro. Se tutti sono d’accordo su tutto, probabilmente non ti stai spingendo abbastanza oltre. Siamo entrati con ferite aperte e verità difficili. Ma la fiducia nasce dal fatto che vogliamo sfidarci a vicenda. Ogni urlo, ogni riff, ogni idea è passata attraverso il fuoco. Quello che è sopravvissuto, se lo meritava.
- In “Gaia Wept” affrontate il collasso ecologico attraverso la lente dell’etica straight edge e di una rabbia visiva. È raro vedere temi ambientali trattati con tanta aggressività nella musica heavy: quale responsabilità pensate che abbiano, se ce l’hanno, gli artisti nell’ingaggiarsi con il mondo al di là del proprio trauma personale?
Se non ti rapporti al mondo oltre te stesso, non stai facendo arte, stai scrivendo un diario. Questo non significa che ogni artista debba essere politico, ma significa che devi importartene. Stiamo guardando il pianeta mentre viene sventrato. “Gaia Wept” è il nostro grido di risposta. Se lo straight edge parla di rifiuto, allora rifiutiamo anche la complicità.
- Tematicamente, l’album torna continuamente a domande di decadenza, tradimento e risentimento che non svanisce. Come artisti, come elaborate quei sentimenti senza lasciarvi consumare a livello creativo? Riuscite a lasciarvi quel buio alle spalle in studio, o vi segue anche nella vita quotidiana?
Ti segue. Certo che ti segue. Ma fare il disco ha dato a quel buio una casa. Uno spazio contenuto. Quando abbiamo finito non era sparito, ma aveva un posto in cui vivere che non era dentro di noi. A volte è tutto ciò che l’arte può fare: costruire una gabbia per la cosa che non puoi uccidere.
- L’arco narrativo dell’album sembra molto intenzionale, quasi come un film nel modo in cui procede. C’era una storia che volevate raccontare, anche solo vagamente? E se sì, chi è il protagonista di “This Bitter Garden” e riesce a uscirne alla fine?
Il protagonista è chiunque lo ascolti e si riconosca in esso. Non è una sola voce, è un coro di crolli. Se ne esce? Non lo so. Ma ci passa attraverso. E questo basta.
- Il brano di chiusura, “Hostel Elysia”, ha un’intensità quasi spirituale, come se tutto ciò che è venuto prima collassasse in un unico espiro emotivo. Cosa ha significato per voi quando lo avete terminato, e come avete capito che era la giusta conclusione, non solo a livello sonoro ma anche emotivo, per il disco?
Quel pezzo ci ha spezzati. È il suono del lasciar andare, non in pace, ma in resa. Abbiamo capito che doveva finire lì perché dopo non c’era altro posto dove andare. Non è una chiusura, è un crollo. E a volte questo è il finale più vero che puoi dare.
- Avete detto di aver quasi rischiato di spezzare la band per riuscire a fare questo album, sia per le pressioni esterne dell’industria che per le dinamiche interne. Guardando indietro ora, ne è valsa la pena? E se sì, cosa avete imparato su voi stessi, individualmente e collettivamente, che è riuscito a passare attraverso il fuoco insieme a voi?
Ne è valsa la pena perché era onesto. Nel processo abbiamo perso molte illusioni: su noi stessi, sull’industria, su cosa pensavamo dovesse essere stare in una band. Quello che è passato attraverso il fuoco è qualcosa di più brutto, ma più vero. Ed è un tipo di bellezza con cui possiamo convivere.
- Questa era la nostra ultima domanda. Grazie per il vostro tempo. C’è qualcosa che vorreste dire ai vostri fan o ai lettori di Heavyworlds?
Grazie per averci dato voce. Se questo disco vi sembra anche la vostra storia, come qualcosa di marcio da cui avete dovuto allontanarvi, o qualcosa di sacro a cui state ancora cercando di aggrapparvi, vi vediamo. Continuate a crescere, anche nel terreno amaro.